Somos unas ratas y otros episodios de horror publicitario

En los años setenta Peter Turrini (1944) crea “Caça de rates”, una crítica impresionante a la sociedad de consumo, de acción rítmica y estructura implacable. La pieza es un ejercicio de contar toda la vaciedad de nuestras vidas, como medio de autoanálisis, exorcismo y liberación final, que tuvo mucho que ver con la propia peripecia vital de un dramaturgo que empezó escribiendo en agencias de publicidad. Precisamente la publicidad nos crea paraísos artificiales a los que nos enganchamos en nuestra búsqueda del mundo feliz, por eso el consumo innecesario de productos publicitados que en realidad no nos hacen ninguna falta se convierte en una barrera que sofoca nuestros incendios interiores más íntimos.

En esta primera pieza, que treinta años después de haber sido escrita se representa en la sala Beckett, el dramaturgo vienés quiso indicar, bosquejar, insinuar, aludir… pero su ópera prima es una invectiva salvaje contra la publicidad en general, contra la sociedad de consumo y contra las máscaras que continuamente nos ponemos para ocultar nuestras verdaderas señas de identidad.

Se trata de una pieza espeluznante, en la que los sentimientos más compartidos con los espectadores son los de horror y asco ante tanto detritus humano. La sala Beckett estrena estos días la versión catalana de una historia que no ha perdido actualidad, bien al contrario, la peripecia de esta pareja, hombre y mujer (Josep Julien y Maria Lucchetti), nos retrata a nosotros mismos. Los dos tratan de dilucidar el misterio de sus personalidades, en sus largos momentos de contemplación de la basura urbana a las afueras, con el motor parado, en el coche, los focos encendidos, la música sonando y las escopetas en el asiento de atrás, cargadas, siempre dispuestas para que su amo dispare a las ratas que circulan por allí.

¿Cómo expresar el verdadero carácter de la sociedad de consumo? Dicho de otro modo: ¿qué mejor metáfora de nuestra realidad de teletienda que la metáfora de las ratas? Esto no es sólo una analogía o los términos de una comparación que a lo sumo permitan al espectador hacerse una idea que una vertedero con realismo sucio, sino que es también un camino hacia el alma de la realidad. Por eso el escenario no podía ser otro que un espacio transformado en una cloaca, un basurero.

Las reseñas críticas, en su afán de orientar al espectador con un gasto mínimo de energía analítica, refieren la obra de Peter Turrini a la de autores como Peter Handke o el propio Thomas Bernhard (modelo de intelectual austriaco inconformista). El teatro de Peter Turrini tiene autonomía más que suficiente para no precisar de referencias ajenas a su propia entidad, es el abanderado de la libertad en las artes, el final de la obra donde intervienen dos actores más (Andrés Moreno y Marc Rodríguez) así lo atestigua. Destaquemos, finalmente, la calidad de la adaptación al catalán realizada por Eugeni Bou, tanto más excelente cuanto más endiabladas son las dificultades a las que sin duda ha tenido que hacer frente.

J. A. Aguado

Tosca

Aquests dies al Gran Teatre del Liceu es representa “Tosca” l’òpera mestra de Giacomo Puccini. Es tracta d’una coproducció del Liceu i del Teatre de la Maestranza. És sens dubte l’esdeveniment operístic de la temporada. La força de la música de l’última escena, la intel·ligència de l’escenografia de Paco Azorín i la qualitat de l’orquestra simfònica i cors del Gran Teatre del Liceu i el conjunt coral infantil d’amics de la unió de Granollers dirigida per José Luis Basso donen com resultat una obra que atrapa l’espectador, aspirat per l’espiral de la tragèdia de dos amants i alhora la d’una idea de llibertat davant la tirania del poder despòtic i absolut que només es mou per la irracionalitat del desig.

L’òpera fa una autòpsia, a través d’un triangle sentimental, a la condició humana. El gran encert de l’obra és aquesta unió entre la història política d’Itàlia i la peripècia amorosa dels personatges. Es tracta d’un drama que atrapa en tots els sentits, per això és una de l’òpera favorites de tots els amants de l’òpera. Es tracta d’una òpera que tres hores que passen volant per totes les seves virtuts, respecta les regles clàssiques del teatre, tota l’acció dramàtica succeeix en menys de 24 hores, des que assistim a la dolça escena de gelosia a la capella fins al tràgic final. Posseeix la precisió matemàtica, el temps perfecte, que fa que ens il·lusionem amb la bellesa, l’horror i la grandiositat que només es troba en els grans mestres del gènere.

“Tosca” és una òpera dramatúrgicament molt actual, tracta dels abusos del poder, les pressions religioses i el tema etern de la gelosia i l’amor. El personatge central és una dona, Tosca, que està descrita formidablement en l’inici de la seva àrea, una dona obsessionada amb l’art i amb l’amor, és un personatge ple de passió, la passió del caràcter mediterrani, Tosca és la representació de la dona forta, de la dona independent que pren les seves pròpies decisions sense deixar-se acovardir pel poder, una passió que va més enllà de la raó, una dona fora de les regles socials del seu temps, interpretat per una Sibdra Radvanovsky que ens empeny a viure la intensitat de la seva veu, a la qual estimem, resulta càlida, té cor que batega per Mario Cavaradossi interpretat per un Riccardo Massi a l’altura d’un Luciano Pavarotti, encarna la llibertat, el desig de no deixar-se sotmetre pel poder, l’home lliure premsador que defensa la justícia. Sumant tot això fins ara tenim una òpera estremidora i emocionant, plena d’èpica sentimental, una òpera plena de sacrifici i de compromís amb un ideari, amb una regles de joc enfront del poder tirànic establert, de mort i d’amor. En la història de l’òpera és difícil trobar trets tan clars de compromís polític, de compromís sentimental i de compromís amb la vida mateixa, un thriller posat en escena amb un ritme amb un final antològic. Una òpera molt moderna per iniciar-se en l’amor a la bellesa, la llibertat i el compromís amb l’ètica pròpia.

J. A. Aguado

El mundo imaginario de Thiérrée

A James Thiérrée lo vimos en el Teatre Nacional de Catalunya en las temporadas 2007 y 2011. Ahora vuelve con “Tabac Rouge” para inaugurar el Festival TNT – Organizado por el CAET- con su Compagnie du Hanneton al Teatre Principal, sin duda un inicio de festival de muchísima altura. Sin duda, todos los espectáculos de este creador, de este genio del escenario, son fascinantes. Nadie que le gusten las artes escénicas debe perderse este acontecimiento único en nuestra ciudad. Nos situamos antes unas puestas en escena con un rigor extremo, con un tacto extremo por la fantasía. Thiérrée dibuja una red de sutiles señales poéticas, ejercicios corporales y maquinaria diversa, tirando con un registro preciso, directo al centro de las emociones del espectador. No le hace falta ni una sola palabra, con su gesto, con sus gestos y sus movimientos nos construye una epopeya de la existencia humana.

James Thiérrée es bisnieto de Eugene O´Neill, el nieto de Charlie Chaplin y el hijo de Jean-Baptiste Thiérrée y Victoria Chapli, los creadores de Le Cirque Imaginaire. De la mezcla de todos ellos sale en la laboratorio humano un artista que combina el circo, la danza y el teatro y desde su comienzos su mundo fue una maleta, un escenario pequeño donde proyectar sus sueños, una metáfora del viaje. Es un artista que conserva el sabor del artesano, de lo construido a mano con pasión y reflexión. En este espectáculo que presenta en Terrassa usa barras de metal y ruedas. Acostumbrados a verlo rodeado de pocos bailarines, en esta ocasión se rodea de un nutrido grupo de colaboradores. “Tabac Rouge” nos sitúa en un mundo apocalíptico y delirante con un decorado móvil de tubos y aparatos electrónicos araicos formando un tifón escénico en torno a un rey. Un reino imaginario y una revolución necesaria. El creador bombardea al espectador con ideas e imágenes: muebles viejos, la luz, la música, cualquier pequeña pieza metálica, telas, …. Cualquier elemento nos recuerda algo de su origen, algo sustémico que está en ADN del artista.

Cualquiera de los espectáculos de Thiérrée es un impresionante viaje a los recovecos de la imaginación de un niño, narrado con un estilo en el que prima la fragilidad humana frente a la materia inorgánica. A veces pensamos que estamos dentro de un sueño surrealista, y en otras ocasiones la salida del espectáculo se convierte en una noche a la que le encontramos puntos de vista que antes desconocíamos de la propia realidad. Como Alica ante el espejo, James Thiérrée nos convida a un viaje imaginario, a sus infiernos como los del Bosco, a sus sufrimientos intolerebles, transparentes y sólidos, la imágenes de este creador en todos sus espectáculo juegan muy eficazmente a la sugestión, sin insistir nunca en lo evidente. La sorpresta es otro de los elementos en la baraja que tiene entre los dedos el artista, nos ofrece un crontrapunto imaginario que hace que el espectáculo se deslice hacia otra dimensión y el espectador tenga la sensación de que está contemplando algo único e irrepetibe. Yo de ustedes, amables lectores, no me lo perdería por nada del mundo, ni siquiera por un partido del Barça.

J. A. Aguado

The Hole Show en el Coliseum

Barcelona siempre ha sido una ciudad moderna, abierta, cosmopolita y pionera en los espectáculos de cabaret, esta vez no estamos hablando del Molino, ni del Paralelo, sino de la Gran Vía. El Teatro Coliseum que gestiona el grupo Balaña se ha convertido en un espacio cabaretero, se han arrancado las sillas y en su lugar se ha colocado mesillas redondas para cuatro espectadores con pulsador para llamar al camarero o camarera y pedir la cena, unas copas o simplemente unas palomitas y una Coca cola. La sensualidad, la música, el humor, los números de circo se mezclan. El humor lo pone la el maestro de ceremonias que en Barcelona es Pepa Chamorro más conocida por “La Terremoto de Alcorcón”. El espectáculo viene de Madrid donde ha vivido con gran éxito varias temporadas antes de inicar su gira. Como maestro de ceremonias ha tenido actores como Eduardo Casanova -Fidel de ‘Aída’-, Alex O’Dogherty -Arturo Cañas Cañas en ‘Camera Café’- o el creador del espectáculo: Paco León, actor sevillano que todos conocemos por la serie “Aída” o “Siete vidas”.

En el espectáculo trabaja con una rata enorme que tiene que besar, acariciar y llevarla sobre sus hombros. La Terremoto de Alcorcón encarna a una gran diva del espectáculo enamorada de esa rata macho llama “Cristobal”, que al menos no la maltrata, ni la humilla como los hombres. Por encima de la imagen está la vedette que explota su lado cómico, como si fuese un monólogo, le saca punta a la actualidad política, de las revistas del corazón y a todo lo que se le pone a tiro a glamour de la periferia, con sus zapatos de tacón baja a nivel de la calle y expresa críticas del ciudadano medio con la épica de la mujer común que pasa de la teoría de las manzanas y de las peras de Ana Botella, a las experiencias que ha tenido, la crisis de los pepinos, la vida sentimental de una rata que no es como las demás y hasta la ligera cena a la que es castigada día tras día.

“The Hole” es un espectáculo creado por Paco León, la compañía de teatro Yllana y la promotora de espectáculos Letsgo, durante el espectáculo trapecistas y contorsionistas, peculiares cantantes y personajes de lo más singular van circulando por el escenario con el fin de entretener, erotizar y sorprender al público.

En esta mezcla de producto híbrido encontramos el striptease con luz negra de Gynoi, la divertida musical de Primital Bros o la danza aérea llevada a cabo por Las supernenas y Donet Collazo. A lo que se suman las actuaciones de los cabezas de cartel, la seductora Madame Vinila Von Bismark o las intervenciones del Pony Loco.

Nos ha gustado el trabajo de escenografía y el diseño gráfico de Miguel Brayda, unos labios espectaculares muy dalinianos a lo Mea West. Otro aspecto del espectáculo que merece ser resaltado es el diseño de luces de Juanjo Llorens. Todos estos aspectos a medio camino entre el Circo del Sol, el cabaret choni, el club de la comedia y el concierto virtuoso de unas voces elegantes y personales, dan como resultado un espectáculo para adultos endiabladamente divertido.

J. A. Aguado

The Chanclettes en el Molino

El título del espectáculo qu estos días de agosto ofrecen en el Molino del Paralelo barcelones el grupo The Chanclettes lleva por título “Dputucool”. Con este espectáculo el grupo catalán celebra sus 20 años de existencia. Nos invitan a un viaje por el humor, el transformismo, la música, la escatología, el mundo del doblaje, la memoria histórica de series como Heidi y la transgresión en estado puro. Llevan a su cumbre un género como el cabaret: buen humor, carcajadas y provocación inteligente.

Los actores Josep Maria Portavella, Josep Cool y Xavier Palomino reconstruyen en escena los fragmentos de su entusiasmo por los doblajes y el teatro, capturados en una libertad donde sexo y humor con vasos comunicantes. En el corazón de estos actores hay una semilla de juego dramático continuo, su identidad se desdobla y multiplica como el laberinto de espacios musicales y sereies que transitan por el escenario del Molino.

El espectáculo cabaretero sobre tacones lleva a su cumbre un género como el de las burlesques, al que le añaden vídeos, anuncios y programas de televisión que pertenecen a la memoria colectiva de toda una generación. El resultado es un espectáculo de dos horas que pasa a la velocidad del AVE, con una parada para visitar unos lavabos redecorados con sorpresas incluidas. No encontrarán en el desierto teatral de verano barcelones nada más divertido, un hipnótico espectáculo sobre los laberintos de la memoria, el deseo, la liberatad sexual, el mundo homosexual, el transformismo. El más bello espectáculo del grupo hasta ahora y ya van unos cuantos.

Hay en el espectáculo una macedonia de estilos y de lenguas, del catalán, al castellano y del castellano al inglés, todo es posible contal de sorprender enfundados los tres en unos zapatos de tacón de vértigo. El guión está escrito con un humor ácido como el limón verde, que no puedes sacártelo de la cabeza, se coloca dentro como esas canciones pegazidas de los veranos. Se trata de un viaje alucinnate y delirante en unos tiempos tan grises los tres nos ofrecen su arco iris de color y vitalidad.

El espectáculo es un divertimento en el que no paran de cambiarse de ropa, de pelucas, de medias, de disfraces, de barbas hasta un punto del que no hay regreso posible a la cordura y te dejas arrastrar como espectador sentado en unas de esas múltiples sillas decoradas para el espectáculo, junto a una mesita conde unos cacahuetes y kikos salados nos invitan al consumo de algo líquido y helado a ser posible.

Hay cabaret en mayúsculas en este espectáculo y también como no podía faltar en una revisión de la existencia crítica política, corrupción y sátira de unos dirigentes que no están a la altura de sus ciudadanos. Con un rigor extremo, no se trata de un simple recorta y pega una canción por aquí, una frase por allá, una sitonía por acá y unos vestidos de antes muerta que sencilla, no aquí hay tanlento, aptitud y sobre todo mucho muchas ganas de vivir o sobrevivir al paso del tiempo, que no es poco.

J. A. Aguado

EL MUNDO NATURAL FRENTE A LA BARBARIE DE LA CIVILIZACIÓN

La maldad es contagiosa. Hablemos de la captura de voluntades. A lo largo de la historia los seres humanos son rehenes del poder y el teatro ha plasmado esa realidad en multitud de ocasiones a través de metáforas más o menos afortunadas. Ojo por ojo y diente por diente. La virtualidad del espectáculo teatral tiene por lo menos el mérito de hacernos contemporáneos de todas las miserias del mundo. Lo sombrío y negativo es que esa sociedad del espectáculo engendra un «voyeurismo» y una crueldad de mirada que viene enseguida a contradecir ese mérito.

Esta reflexión sobre el comportamiento humano viene provocada por la puesta en escena de una nueva versión de ese alegato contra las diversas formas de mezquindad humana que es el clásico “Terra baixa”, de Àngel Guimerà, representado hasta el mes de febrero en la “Sala Gran” del Teatre Nacional de Catalunya en una versión dirigida por Ferran Madico. Desde Homero a Conrad, de Robinson Crusoe a Gulliver todo es viaje por las profundidades de la condición humana. La pieza del dramaturgo catalán es una herramienta para comprender mejor la idea del ecologismo utópico gracias a la creación de esa la figura clave que es Manelic: un poco de teoría del buen salvaje unida a dosis aceptables de ecologismo.

Lo que ocurre es que el tema que planteó Àngel Guimerà sigue vivo: toda esa barbarie de las tierras bajas frente a la pureza de los montes, tiene bajo la mirada de Ferran Madico un contexto extremadamente moderno, despojando la puesta en escena de conceptos románticos edulcorados.

La realidad contemporánea ha devenido tan compleja que no puede ya confiarse en la elucubración solitaria de una mente, por despierta que ésta sea, ni en una ideas esquemáticas sobre el bien y el mal, como ocurría a finales del siglo XIX. Y, sin embargo, en los momentos caóticos, cuando una civilización se desintegra y entra en los siglos oscuros de la barbarie, son los escritores retirados del mundo quienes preservan la lucidez de la razón en espera de entregarla a las nuevas generaciones. Un pueblo que ande políticamente descaminado, por atajos de dictadura o lodazales de oligarquía, se encamina culturalmente a la barbarie. Cuanto más avanza por él más retrocede en civilización y refinamiento de costumbres.

Àngel Guimerà fue un excepcional dramaturgo, dotado de exquisita sensibilidad para la crítica del comportamiento humano, no a través del casticismo respetable, sino a fuerza de desnudar cada una de las pequeñas mezquindades de su embrutecimiento. La pendiente por donde se desliza el embrutecimiento colectivo tiene obstáculos naturales idealizando el mundo de la naturaleza, explotando el viejo tópico del buen salvaje.

“Terra baixa” enseña al espectador de nuestros días que sólo un sobresalto de la opinión puede detener la caída libre hacia la completa degradación de las costumbres, y cambiar en sentido ascendente el rumbo del instinto moral y los criterios del gusto público.

J. A. Aguado

TEATRO ALTERNATIVO

DE HURACÁN EN SALA BECKEETT

El teatro alternativo se niega a estar domesticado, bajo el imperio del mercado. Salas como la Beckett en Barcelona luchan por un producto interesante. Se imponen la necesidad de trabajar con imaginación, que se agudiza cuando careces de dinero. Este es el caso de “Huracán” de Enric Nolla. La creatividad no puede estar aplacada por una subvención que no llega. No podemos consentir que éste sea un mundo de jóvenes mudos. Y en un solo mes de trabajo puedes hacer un espectáculo si sientes y tienes la necesidad de hacerlo, aunque lo sitúes en el campo, ahora que todo el mundo hace alabanza de corte.

Mariana vive en una casa dominada por las mujeres, sus tías Misericordia y Fecunda. El día de su primera comunión ocurrirán hechos terribles que desencadenarán un huracán de sentimientos profundo y negros. En una aldea hundida en el campo, en mitad de un bosque y aislada después de una durísima geografía exterior que se funde con la geografía sentimental de unos habitantes que viven entre el asombro y el terror.

La contemplación de lo desconocido se disfrazará de visión adivinatoria que se realiza a través de la luz de una cerradura, que Misericordia tiene el poder de ver. Mercè Arànega realiza una interpretación hermosa y perturbadora. Pero la infancia se nos desvela aún más terrible que el mundo de los adultos, como si la maldad irrumpiera en la vida, y la transformara dotándola de un sentido nuevo, alterando el curso de los días repetidos en el mundo rural.

La aldea de “Huracán” es un pueblo de cazadores, un lugar de vegetación salvaje y exuberante. La caza se convierte en una obsesión que junto a la presencia del alma de la abuela muerta, aunque sea con muletas, dejan al espectador de piedra. Lo sagrado irrumpe en escena a través del trabajo infatigable de Àngela Jové.

“Huracán” de Enric Nolla es la historia de la envidia. Como nos dejó escrito Antonio Machado: “La envidia de la virtud hizo a Caín criminal”. Envidia pueblerina y malsana, de familias enfrentadas, de niños rencorosos y mujeres sin rumbo. “Huracán” es la negación del mundo. El extraordinario de las seis mujeres que intervienen en la pieza crea las atmósfera de un mundo inhabitable, el mundo que empezó en el lado oscuro.

Salas como la “Beckett” sirven para esto: para imaginar un instante de esplendor. Fija “Huracán” un instante privilegiado: en la medida ínfima del instante mágico en el que la aparición de los espíritus marcan el futuro de nuestras vidas miserables, el instante donde cabía la posibilidad de elegir un camino que abriese o cerrase las puertas de la vida, las posibilidades fueron desaprovechadas por estas seis mujeres en busca de un futuro que se cierran. Se tapian las posibilidades porque ellas entran en el tiempo que no controlas, el tiempo que te controla a ti, el tiempo del dolor y la cólera.

J. A. Aguado

Esteve Soler a la contra

Esteve Soler (L’hospitalet, 1976) és un d’aquests dramaturgs que es planegen llançar un missatge en les seves obres i al mateix temps divertir via l’insòlit com Pere Calders, Juliol Cortázar o David Mamet. El seu és furgar en la realitat els costats més inversemblants per nedar com el salmó contra corrent. Els seus textos reflecteixen un humor amarg, retrats inversemblants de la vida contemporània, pretextos per anar en contra de tot o gairebé tot amb un somriure als llavis: contra el progrés, contra l’amor, contra la democràcia.

Dins el marc del Grec 2011 la sala Beckett de Barcelona programa “Contra la democràcia” una reflexió al fil del moviment 15-M, el dramaturg reflexiona sobre la corrupció d’una classe política instigadora de guerres, corrupció, impunitat dels banquers i saqueig a la classe mitjana, el vell fantasma del desencant cavalca per mitja Europa i el teatre es mostra com una arma de denúncia. Els actors – Dani Arrebola, Pep Jové, Josep Julien i Laia Martí – donen vida a polítics, empresaris i altres personatges actuals recognoscibles, alguns d’ells històrics, com el rei Leopold II, es present en el muntatge per qüestionar si les atrocitats que es van fer al colonialisme no segueixen presents també avui en dia d’una forma o una altra.

L’obra parteix de la idea de la democràcia com a farsa, que produeix en tot el món horrors. Una democràcia que, en mans de financers avariciosos i polítics estancats ens ha convertit en monstres sense capacitat de control de nosaltres mateixos i del nostre futur. Sabut és de tothom que la democràcia és el sistema polític menys dolent de tots els que existeixen, n’hauríem d’ inventar un de nou per donar cabuda a totes aquestes reflexions sobre la realitat política i social en què vivim a causa d’aquesta crisi econòmica que no sembla que tingui llum al final del túnel.

“Contra el progrés” va ser seleccionada l’any 2008 entre 646 textos d’autors de tot Europa per participar en el Theatertreffen, el principal festival de teatre alemany, celebrat a Berlín, i des de llavors no ha parat de representar-se, pel mateix camí va ” Contra la democràcia “. Una sèrie d’històries independents on es barregen els mateixos ingredients humor i horror, mort i comèdia, moments tan estranys com pròxims. “Contra la democràcia” és com un mirall de fira que deforma la realitat a la manera de Ramón María del Valle-Inclán, hi ha molt d’esperpent. Esteve Soler mira els seus personatges des de dalt com un demiürg que mou els seus titelles. Amb aquesta peça tanca una trilogia en què es repeteixen les manera de dir i l’objectiu: ensenyar i delectar al mateix temps.

J. A. Aguado

E.N.D. (Esto No Danza)

Una imagen vale más que mil palabras, y mi tarea aplicar el tópico al caso concreto del trabajo visual de la compañía Sol Picó. Estoy atrapado, si lo hago bien, resultará claro que la dificultad de verbalizar la imagen contiene mucho más de lo que he sido capaz de desvelar. Si lo hago mal, resultará claro que he sido capaz de desvelar muy poco del contenido de este espléndido espectáculo de la imagen y la música. Estamos ante la imagen de alcantarilla emocional más impactante de la temporada teatral: la indecente energía de la furia musical de Alberto García Demestre, el lenguaje de la desesperación y una exuberante impertinencia constituyen una pieza que rompe con la algarabía de un mundo lleno de canciones de amor espantosas.

E.N.D. (Esto No Danza) es una pieza enérgica que desafía a la razón y apela a la erótica de la expresión. Los dos bailarines y la soprano ponen la expresión al servicio de la escena, el cuerpo, la voz, el ritmo y los ojos. Tres personajes expertos en las técnicas de la danza moderna y contemporánea, que utilizan su sabiduría para dar paso a una energía primaria que nace del sexo y la desesperación, un viaje alucinante a través de las piernas, los saltos, los giros, y lasposiciones casi imposibles de las puntas de los pies de los bailarines.

Una mujer se enfrenta a su propia pasión sexual partiendo de su propia negación, la primera imagen es sin duda aterradora: la soprano aparece con una pistola en la boca, incluso el espectador es amenazado de muerte, justo en ese instante comienza una vertiginosa carrera en la que se enfrentan, se odian y se aman hasta la extenuación. Nadie sale ileso: ni el boxeador que intenta zafarse de las sombras, ni la soprano que lucha con todas sus fuerzas con la juventud de los dos bailarines, ni la masas informe que salta tras el monitor del vídeo, … Ni mucho menos, desde luego el espectador.

E.N.D. (Esto No Danza) es un triste, cómico y potente espectáculo de danza contemporánea que ofrece la llave para abrir las secretas puertas del infiernos de las obsesiones. El escenario queda abierto, la iluminación hace presentes a los espectadores en ese torrente de emociones, aseguradas desde el primer minuto. Encerrado en una realidad virtual el cuarto personaje se hace presente en escena, tanto que al final realidad y ficción se unen formando un todo, formando una mordiente crónica del lado salvaje del sexo. Relaciones inusuales, mujeres muy poco comunes, inspiradas perversiones, la locura de la vida sin el imperio de la lógica y la razón y la cárcel del deseo constituyen las hebras de la trama “solpiconiana”, entretejidas de manera fascinante.

He aceptando traducir en palabras la imagen, he caído en la trampa: es un imposible describir el E.N.D. (Esto No Danza) sin descubrirse ¿qué virtud tendrá la dichosa palabra que, elija la parte que elija, tropiezo siempre con preguntas cuya respuesta no conozco? ¿Ignorancia mía? Seguro. Tengo que estudiar más y ponerme al día en tantas cosas… anotado queda en la agenda de los buenos propósitos.

J. A. Aguado

Del odi al perdó
Al Teatre Lliure el director anglès Declan Donnellan dirigeix ​​el vaixell shakesperià de “La tempesta” amb una tripulació d’actors russos, a través de les veus dels actors l’essència del missatge del dramaturg es fa present. Es tracta d’un muntatge molt físic, on destaca la decisió de fer del personatge màgic d’Ariel, una banda de músics que marquen el ritme i el to de la història. “La tempesta” és una coproducció del Festival Internacional de Teatre Txèkhov de Moscou i les Gémeauz Scène Nationale de París en col·laboració amb el Theatre Cheek by Jowl de Londres.

William Shakespeare és el dramaturg per excel·lència, no és fàcil explicar la devoció que diferents generacions d’actors senten per l’autor. Per interpretar el seu teatre és necessari elevar les vísceres i fer connectar el cor i la ment com fa Declan Donnellan, és la seva versió plena de poesia i projeccions audiovisuals. Aquest muntatge basat en un terra i tres parets és sorprenentment preciós, complex i simple alhora. Un encert la seva programació, aquesta hauria de ser una de les funcions del teatre públic o concertat, la de portar a grans companyies estrangeres per pujar el nivell mitjà dels nostres muntatges.
Com qualsevol director que es preï Declan Donnellan es pren la llicència de fer referències a imatges de la ideologia comunista del segle XX i a l’actual carrera consumista del mercat rus, els mafiosos i les il·lusions innocents del leninisme de la revolució bolxevic.

Les obres del mestre Shakespeare resulten alliçonadores per parlar-nos de l’ambició personal, la lluita pel poder que porta a la corrupció i a la guerra final, dels fracassos, de la sang, de la venjança, l’amor, de les il·lusions i del convenciment de saber que hi ha coses de les quals l’ésser humà no arriba a comprendre els seus misteris entre el cel i la terra. L’obra té com a escenari una illa, que per a molts directors és una metàfora de res més. El protagonista de “La tempesta” és Pròsper, un bruixot , amb uns esperits que li serveixen: un elevat i un altre dominat per les baixes passions, té poders tals que és capaç de provocar tempestes i fer naufragar vaixells. El protagonista té una filla. A l’illa naufraga un vaixell i l’amor entre la jove i un dels tripulants del vaixell neix amb la flama més intensa, és clar Pròsper sotmet al jove a tot tipus de dificultats. I així podríem seguir desgranant l’argument de l’obra, però com això va de màgia és molt millor recomanar als nostres amables lectors que quan una companyia de prestigi vingui a terres catalanes, es deixi seduir pel cant de les sirenes dels crítics i vagin a veure. Sorprenentment “La tempesta” acaba bé i Pròsper perdona la traïció, però el perdó no és una cosa simple, és un procés molt més complex del que sembla, sinó que l’hi preguntin als divorciats o les víctimes del terrorisme o les guerres.

1.  A. Aguado