ESCULTURA DE L’ANTIGA GRÈCIA

L’escultura grega és una manifestació artística que reflecteix els ideals de la civilització grega: importància de l’home com a centre de l’univers i recerca d’un ideal de bellesa basat en l’equilibri i la proporció. El tema central és la figura humana. Es busca un model de bellesa, el cànon, les proporcions perfectes. La figura en l’escultura clàssica grega és una referència a la condició o el paper de la persona representada. Els atletes, sacerdotesses i déus poden ser identificats per les seves vestimentes i aformaments o per la falta d’aquests. Posteriorment, nus en l’escultura i la pintura han representat una forma d’ideal, ja es tracti d’innocència, l’obertura o la puresa. Els materials més utilitzats són el marbre policromat, el bronze i les criselefantines (estàtues d’or i d’ivori).

L’escultura de l’antiga Grècia posteriorment va marcar les característiques singulars de la tradició europea clàssica:

  • Creació de figures humanes, amb homes de cos atlètic i nus femenins.
  • Creació de busts on es mostraven signes de l’edat i del caràcter.

    En el període arcaic (segle VII aC – inicis del segle V aC), l’art grec evoluciona des de les antigues tradicions artístiques rejovenides i fecundades per les influències egípcies i orientals, fins a les portes del que serà l’art grec clàssic. El tipus d’estàtua grega que arribarà a ser més característic del període arcaic, el Koúros, segueix en gran manera models egipcis. Es realitzen figures masculines d’atletes nus (Koúroi), i figures femenines vestides (Korai). Exemples: Dama d’Auxerre (630-600 aC), Koúros Anavissos (540-515 aC)

    Característiques

    • Frontalitat rigorosa
    • Rigidesa
    • Hieratisme
    • Braços enganxats al cos i punys tancats
    • Pes repartit uniformement sobre les dues cames
    • Cama esquerra avançada
    • Tots dos peus assentats a terra
    • Simplificació dels detalls anatòmics
    • Tractament del cabell amb un disseny geomètric
    • Ulls ametllats i somriure arcaic.

 

El període clàssic de l’escultura grega es pot dividir en els tres subperíodes següents: període protoclàssicprimer classicisme i segon classicisme. Va sorgir als segles V i IV aC van aconseguir representar la part harmònica del cos: li donaren agilitat i moviment.

Període protoclàssic (480-460 aC)[modifica]

A la primera meitat del segle V aC l’escultura comença a experimentar nous camins, tot trencant amb la rigidesa compositiva dels Koúroi. S’evoluciona cap a una més gran naturalitat de les formes, una captació major del moviment i una preocupació per explorar les emocions i diferents estats. La figura de l’home un esdevé definitivament el símbol de la bellesa per a l’art grec. Exemples: l’Efeb de Critios, els relleus del temple d’Afaia a Egina o els de Zeus a Olímpia. A més d’aquests conjunts, aquest període ens ha deixat algunes impressionants figures de bronze, dels pocs originals de bronze que es conserven. Exemples: L’Auriga de Delfos, el Zeus del Cap Artemison, així com les figures d’atletes o herois trobades el 1972 a Riace.

Primer classicisme (460-400 aC)

En la segona meitat del segle els escultors arriben a un domini de la tècnica que permet d’establir uns cànons o models de bellesa ideal, basats en les proporcions de les diverses parts del cos. Els cossos apareixen en actituds de repòs i serenitat. Les grans figures d’aquest període són: Miró d’Eleusis, Policlet i Fídies. Miró estudia el moviment de les figures. Una de les seves obres més conegudes és el Discòbol. Policlet es pot considerar el màxim exponent de la simetria. En el seu Dorífor s’expressa l’equilibri entre la sensació de moviment i estabilitat. Si Policlet és l’escultor dels homes, Fídies ho és dels déus (relleus del Partenó).

Segon classicisme (400-323 aC)

Al segle iv aC s’accentua la tendència al realisme i es dóna més importància a l’expressió i al moviment, a l’hora que apareix el retrat individualitzat. L’artista més significatiu d’aquest període és Praxíteles. En la seva obra és molt característic la disposició de la figura, que recolza tot el pes en una cama i flexiona l’altra. La seva obra més reconeguda és l’Hermes amb Dionís infant. Lisip, és l’altre escultor d’aquest període. Proposa un nou cànon de proporcions ideals més esveltes que el de Policlet, en una relació de cap cos d’1 a 8 (el de Policlet era d’1 a 7). També, utilitza recursos de certa teatralitat que obliguen a l’espectador a prendre una actitud més participativa en la comprensió de l’estàtua.

L’art hel·lenístic (finals del segle iv aC – segle i aC) explota, desenvolupa i sintetitza les aportacions de les etapes anteriors, especialment les del segle IV aC. Exemples: Laocoont i els seus fillsVictòria de Samotràcia, L’altar de Zeus a Pergam.

Característiques
  • Intensifica el moviment fins a cargolar i distorsionar les figures.
  • Accentua les emocions i les expressions de dolorangoixaesforç i desànim.
  • Exagera l’esforç físic inflant i deformant els músculs.
  • Profunditza en els estudis de tridimensionalitat, cercant postures complexes que obliguin l’espectador a visionar-les des de diferents angles.
  • Es recrea en la nuesa tant la masculina com la femenina i l’efeminada (hermafrodites) i conrea temes nous o poc freqüents fins al moment (infantesa, vellesa, lletjor, deformitat, etc.).
  • Els temes es diversifiquen, introduint les imatges quotidianes i anecdòtiques, les al·legories, el retrat i els grups escultòrics.

 

 

 

 

ARQUITECTURA DE L’ANTIGA GRÈCIA

L’arquitectura de l’antiga Grècia va fixar les bases de l’arquitectura del món occidental durant segles. A grans trets, l’art grec representà una síntesi transformadora, innovadora dels corrents artístics de la cultura egípcia, del pròxim orient i de l’Egeu. Es tracta d’una cultura antropocèntrica que es preocupa per la creació d’un art a la mida de l’home (“l’home és la mesura de totes les coses“. Protàgores).

Els edificis més importants, els temples, es caracteritzen per la seva gran simplicitat amb només una sala allargada i un pòrtic. Aquesta senzillesa es veu també reflectida en la seva estructura que era arquitravada sobre columnes.

Els grecs donen un tractament harmònic a tots els seus edificis basat amb la repetició sistemàtica d’uns elements: la columna i l’entaulament. La forma i disposició d’aquests presenta un repertori limitat de variants que són els anomenats ordres arquitectònics, o conjunts de columna (element sustentador) i superestructura (element sostingut), que es diferencien entre ells per la forma de la columna i el seu capitell, per la disposició de les parts de l’entaulament i les proporcions entre les mides de tots els elements.[Wiquipedia]

Entre les normes o cànons de composició arquitectònica a l’arquitectura grega hi destacaren tres ordres arquitectònics majors: dòric, jònic i corinti. De l’arquitectura grega antiga, es fixen en tres estils o ordres clàssicsdòricjònic i corinti, que es diferencien en la proporció altura-diàmetre de la columna (“stilos” en grec) i les formes del capitell i de l’entaulament. L’ordre és el resultat d’una relació numèrica influïda per les teories pitagòriques. Cada ordre relaciona les diferents parts de l’edifici amb el tot, determinant al mateix temps la seva decoració.

L’estil dòric és el més rude i s’emprava en exteriors, especialment dels temples dedicats als déus barons. Els estils jònic i corinti s’empraven en interiors o en exteriors de temples dedicats a divinitats femenines.

Dòric: La columna s’aixeca sobre un estilòbat sense base. El fust té setze o vint estries que es tallen en arestes agudes. Aquest acaba sobre un collarí sobre el qual hi ha un capitell format per l’equí i l’àbac. L’entaulament és format per un arquitrau llis i un fris on s’alternen els tríglifs i les mètopes. Exemple: El Partenó.

La columna consta de basefust i capitell. Sobre les columnes s’assenta l’entaulament, que consta d’arquitraufris i cornisa. Sobre les façanes principals, formats per la teulada a dues aigües, estan els timpans o frontó. De vegades el temple s’assenta sobre una plataforma amb grades, crepidoma, per elevar-lo sobre el terreny.

L’estil dòric és un dels tres ordres clàssics de l’arquitectura grega, junt al jònic i al corinti. És el més primitiu i simple; és l’ordre grec per excel·lència.  El Partenó, temple dedicat a Atenea Parthenos a l’Acròpoli d’Atenes, és sens dubte el màxim exponent d’aquest estil arquitectònic. Simbolitza força, heroïcitat, fou utilitzat sobretot amb aquest simbolisme en el Renaixement.

JÒNIC.
És més esvelt que no pas el dòric. La columna en aquest cas té base i el fust es remata en un capitell format per dues volutes. L’arquitrau no és llis, està dividit en tres platabandes i el fris no està dividit en mètopes i tríglifs sinó que és una zona en la qual es desenvolupa lliurement la decoració escultòrica. Exemple: L’Erecteó.

 

CORINTI.

Representa la decoració i la vistositat. Encara és més estilitzat que el jònic. Tanmateix la principal diferència entre ambdós ordres és en el capitell que en aquest cas lluirà una decoració vegetal amb fulles d’acant. Exemple: El temple de Zeus Olímpic a Atenes.

Les façanes transversals a l’eix de l’edifici presenten, en tots els casos un frontó triangular que defineix un espai (el timpà) decorat per relleus i escultures. Com hem dit els temples grecs es caracteritzen per la seva estructura molt simple. Consistien en una única sala a la qual s’accedia per un pòrtic. La sala qua albergava l’estàtua del déu es deia naos. El pòrtic es deia pronaos (literalment, “davant de la naos”).

Com en els grecs no els agradava que les part anterior i posterior dels seus temples fossin diferents, afegiren un pòrtic en la part posterior (opistodòm) per donar així un aspecte més simètric.

Per donar aquest aspecte, els grecs rodejaren el nucli del temple amb una columnata anomenada peristil.

Segons el nombre de columnes que tenien a la façana, els temples podien ser tetràstils (quatre), hexàstils (sis), octàstils (vuit). Si tenien pòrtic al davant i al darrere s’anomenaven amfipròstils, i si tot el perímetre estava envoltat de columnes es deia perípter i dípter si ho estava per una doble fila de columnes.

 

Planta

  • In antis: aquest temple està format pel pronaos, que usualment disposa de dues columnes, i el naos.
  • Pròstil: aquest temple està format pel pronaos, que disposa de quatre columnes, i el naos.
  • Amfipròstil: és el temple menys comú, disposa de columnes tant en la part anterior com en la posterior del temple.
  • Perípter: està envoltat de columnes i és el més comú dels temples grecs. Fou norma comuna en la Grècia clàssica que el nombre de columnes dels laterals fos el doble més una de les columnes dels costats de menys llargària.
  • Dípter: està envoltat de columnes en doble filera.
  • Tholos o monòpters: són temples circulars; disposen d’una coberta cònica i sota la naos circular. El conjunt està envoltat per un nombre de columnes variable.
  • Hipetre: és d’influència egípcia, la naos queda al descobert.

Alçat

  • Dístil si disposa de dues columnes
  • Trístil si disposa de tres columnes
  • Tetràstil si disposa de quatre columnes
  • Hexàstil si disposa de sis columnes
  • Octàstil si disposa de vuit columnes
  • Decàstil si disposa de deu columnes
  • Dodecàstil si disposa de dotze columnes

 

 

 

El capitell corinti és característic per estar decorat amb fulles d’acant. L’origen aquest estil es troba a la Grècia clàssica, però ha estat heretat durant el temps, com en Roma, el renaixement, el barroc o el neoclassicisme i bona mostra d’això s’observa en la Maison Carrée de Nimes, el Panteó de Roma o en la façana del Congrés de Diputats o del Museu del Prado de Madrid.

 

 

La forma de l’escultura

L’escultura té dues formes de representació: el ple volum (escultura exempta) i el relleu.

Ple volum: unifacialitat (únic punt de vista òptim frontal)
Multifacialitat (multiplicitat de punts de vista òptims)

Les portes del Baptisteri de Florència. Ghiberti (1425-1452) Porta del Paradiso

La convocatòria, el 1401, d’un concurs per adjudicar la realització dels relleus de les portes del Baptisteri de Florència va marcar un punt d’inflexió en el món de l’escultura florentina: és l’inici de la plàstica renaixentista. Fins aquell moment només hi havia decorada una de les tres grans portes previstes al Baptisteri, amb relleus en bronze realitzats per Andrea Pisano (1336) dins d’unes motllures lobulades. Els principals escultors florentins del moment, com Jacopo della Quercia, Filippo Brunelleschi o Lorenzo Ghiberti van prendre part en el concurs convocat per a la realització de les segones portes.

L’escena del sacrifici d’Isaac va ser l’escollida per a la prova que havien de presentar els diferents artistes. El marc quatrilobulat condicionava la realització de l’escultura. Tots els participants en el concurs s’havien de cenyir a un mateix tema i a una mateixa tècnica; al guanyador se li adjudicaria l’encàrrec definitiu. I Lorenzo Ghiberti (1378-1455) va ser el guanyador. [Vicente Moreno, http://blogs.sapiens.cat/socialsenxarxa/2012/01/31/ghiberti-les-portes-del-baptisteri-de-florencia/]

 

L’obra de Antonio CanovaLes Tres Gràcies és un grup escultòric d’estil neoclàssic, en marbre, de les tres càrites mitològiques, filles de Zeus que representaven la bellesa, l’encant i l’alegria. Les Gràcies presidien banquets i reunions principalment per entretenir i delectar els invitats dels Déus.[1] S’identifiquen en alguns gravats de l’estàtua com (d’esquerra a dreta) AglaiaEufròsine i Talia. De l’obra de Canova existeixen realment dues versions: la primera, encarregada per Josefina de Beauharnais, esposa de Napoleó, es conserva en el Museu de l’Ermitage de Sant Petersburg (Rússia); la segona, encarregada per un noble anglès, el duc de Bedford, va sortir a la venda el 1994 i va ser adquirida per dues institucions britàniques que l’exposen alternativament, el Victoria & Albert Museum de Londres i la National Gallery of Scotland.[2

Antonio Canova aporta la seva sensibilitat especial al quadre. Les deesses de marbre blanc estan enllaçades com les de Rubens, però donen una imatge de polidesa i refinació màxima amb la qual cosa l’autor aconsegueix accentuar la bellesa ideal de les deesses amb un gran efecte de lluminositat.

n la mitologia grega, les tres Gràcies eren divinitats filles de Zeus i Eurínome que, normalment acompanyaven Afrodita. Eren la personificació de la bellesa, la tendresa i l’amistat.
Presentem-les:
Aglaia, l’esplèndida
Era la més jove de totes i la que més bellesa posseïa. Simbolitzava la intel·ligència, la creativitat i la intuïció. En algunes llegendes està casada amb Hefest, l’artesà dels deus, i el seu casament explica la tradicional associació de les tres Gràcies amb l’art.
Eufròsine
D’ella en sabem menys. És la germana mitjana. Com la seva etimologia indica simbolitza el plaer l’alegria.
Talia
Era la mussa de la comèdia. Tenia un caràcter rural i la presentàvem com a una jove riallera. Era la més gran de les tres Gràcies. Presidia els banquets i altres festes i atorgava els dons de l’abundància i la fertilitat.
Però realment no van tenir gaire importància en la mitologia, encara que van ser un dels temes preferits per a l’art.

El Jurament dels Horacis

Jacques-louis DAVID, Le Serment des Horaces, 1784, Museu del Louvre. Pntura a l’oli

El jurament dels Horacis (en frrancèsLe Serment des Horaces) és una obra de Jacques-Louis David realitzada el 1784 uns anys abans de la Revolució Francesa. El quadre fa 330 x 425 cm i es conserva al Museu del Louvre. Se’l considera el paradigma de la pintura neoclàssica.

La pintura representa la «salutació romana», amb el braç estès i el palmell cap avall. El tema de la pintura està basat en la llegenda del combat dels Horacis i Curiacis, llegenda relatada per Tit Livi a la seva obra Ab Urbe Condita, i té una perspectiva patriòtica i neoclàssica; més tard es va convertir en un model a seguir per pintors posteriors. L’èxit de l’obra va incrementar la fama del seu autor, i li va permetre mantenir els seus propis estudiants.

Composició a base de línies rectes per les figures masculines, mentre que per les femenines són corbes i per sota la meitat de la pintura.

Línies cap al punt de fuga.

Línia de l’horitzó amb els punts centrals de tota la representació.

 

PINTURA : COMPOSICIONS TANCADES I ESTÀTIQUES

Leonardo Da Vinci – Vergine delle Rocce (LouvrLa

La Mare de Déu de les Roques [Renaixement – Leonardo Da Vinci, 1483-1486, pintura a l’oli transferida a llenç, Museu del Louvre]

 

 

El rapte de les filles de Leucip [P.P. RUBENS, 1616, Barroc, Alte Pinakothek de Múnich]

 

Un bodegó [Zurbarán, Natura morta amb llimones, taronges i rosa (1633), Museu Norton Simon de la ciutat de Los Angeles]