CONTEXTUALIZACIÓN
Romancillo de 1580, obra maestra de la serie de romances líricos del autor. El tono y los versos populares de la lírica tradicional se infiltran en este poema reelaborados con mayor complejidad y extensión.
El poema entronca con la lírica tradicional de la Edad Media. Al igual que en las jarchas y las cantigas de amigo, el tema es el lamento de una mujer por la ausencia del amado. También en ellas otra mujer hace el papel de confidente, como en este caso sucede con la madre, interlocutora del lamento de la muchacha
TEMA
Una bella joven, recién casada, se queda sola a causa de la marcha de su marido a la guerra. Se desahoga con su madre, su confidente, diciéndole que la deje llorar por lo poco que le ha durado la compañía de su esposo.
ESTRUCTURA EXTERNA.
Estrofas de 8 versos hexasílabos. Rima asonante en los pares con esquema -a-a-a, dejando libres los impares. Al final de cada estrofa se repite un estribillo formado por un pareado de versos pentasílabos y rima consonante.
Se trata de un romancillo o romance breve (composición poética de arte menor similar al romance, pero con versos de menos de ocho sílabas).
ESTRUCTURA INTERNA
El poema está estructurado en dos partes:
♥ Versos 1/8 Introducción en 3ª persona del tema: el lamento de una bella muchacha recién casada por la partida de su esposo a la guerra.
♥ Versos 11/60 en 1ª persona: referencia a su casamiento siendo muy joven y petición a su madre de que la deje llorar para desahogarse ante la perspectiva de encontrarse sola siendo tan joven.
ESTILO
Nos hallamos lejos de la complejidad estilística de las composiciones cultas de Góngora. Existe no obstante, una mayor elaboración que en la lírica tradicional anterior al siglo XVII.
FIGURAS LITERARIAS
| FIGURA | Posición | Versos | ANOTACIONES |
| Paralelismo/Antítesis | 13 y 14 | Tan corto el placer/Tan largo el pesar | Repetición de la misma estructura sintáctica y morfológica (det.+sust.+det.+ver.)Antítesis: placer/pesar. |
| Elipsis | 3 y 4 | Hoy viuda y solaY ayer por casar | Elisión del verbo “estar” |
| Sinécdoque | 5 | Viendo que sus ojos | Se toma una parte del marido, sus ojos, por la totalidad. (En la sinécdoque una parte representa al todo) A través de él, de sus ojos, ella miraba el mundo. |
| Antítesis | 17 y 18 | Yéndose a la guerra / quien era mi paz | |
| 35 y 36 | Si me queréis bienNo me hagáis mal | ||
| Comparación | 44 | El pecho como un pedernal | El corazón como el pedernal (sílex, variedad del cuarzo, o dicho de algo de extrema dureza). |
| Metáforas | 15 | Y me cautivastes De quien… | Compromiso matrimonial/cautiverio sentimental. |
| 17 y 18 | De quien hoy se va / y lleva las llaves / de mi libertad. | Llaves/El compromiso matrimonial supone una puerta cerrada para la mujer sometida al esposo. |
…quiero más una morcilla…
La letrilla (diminutivo de letra) es una breve composición poética que generalmente combina versos hexasílabos y octosílabos. La rima puede ser asonante o consonante. Se inicia con un pareado que contiene la idea esencial de la composición y que le sirve de estribillo; al final de cada estrofa se repite uno de esos dos versos, que rima con el precedente.
Se trata de un poema satírico y burlesco, de tono ligero por lo general, aunque también las hay de tema religioso y lírico.
Formalmente se le relaciona con el villancico o con el romance. Sus estrofas pueden ser redondillas o quintillas dobles.
Góngora escribió algunas letrillas de tipo lírico, basadas en la lírica popular. Sin embargo, lo habitual es que las letrillas se inspirasen en algún refrán y tuviesen carácter burlesco. Las letrillas satíricas más conocidas son las de Quevedo, que rápidamente eran asimiladas por el pueblo gracias a su tono popular. (wikipedia)
En esta letrilla, podríamos decir que lo que Góngora lleva a cabo es, en definitiva, una versión satírica del tópico del Beatus ille, sirviéndose para ello de un motivo tradicional, del cual provienen los versos que encabezan la composición: “Ándeme yo caliente/ y ríase la gente“.
En efecto, el contenido fundamental del poema, no es otro que una deformación burlesca de aquellos motivos con los cuales solía desarrollarse convencionalmente ese tópico clásico cuya fuente última suele ser Horacio y su poema del mismo título, Beatus ille, que había versionado fray Luis de León en su celebérrimo poema “Oda a la vida retirada”.
Ahora bien, lo que Horacio elegantemente expone en su ÉpodoII “Beatus ille qui procul negotiis…“, es una exaltación del ideal epicúreo (lindante con el estoicismo) de la sobriedad y la austeridad de una vida sencilla alejada de todo afán o preocupación.
Tan nobles ideales, en la irreverente letrilla de Góngora dan paso a un desenfadado canto hedonista que debemos poner en relación con los contrastes del barroco. Frente a la reflexión pesimista sobre la vida, un vitalismo burlón.
(NOTA: El hedonismo es una doctrina de la filosofía que considera al placer como la finalidad o el objetivo de la vida. Los hedonistas, por lo tanto, viven para disfrutar de los placeres, intentando evitar el dolor.)
Góngora es universalmente conocido por ese elaborado arte cubierto con la etiqueta de culteranismo, pero no es menos cierto que posee otra faceta: la de cultivador y revitalizador de la poesía tradicional. Tuvo un papel destacado en la revitalización del romance que se llevó a cabo en el barroco. También participó en la renovación del villancico y la letrilla.
Hasta que llegó a sus manos, esta forma métrica había sido un género menor limitado a temas religiosos o rústicos y vulgares. Góngora empezó a cultivar la letrilla en 1581 y la convirtió en un vehículo idóneo para expresar la sátira burlesca. Observemos en el poema que comentamos, cómo Góngora funde elementos tradicionales y cultos, aunando ambos para redoblar su intención burlesca. Parte, como hiciera en otras letrillas, de un refrán, pero a lo largo del poema la chispa humorística salta por la colisión entre elementos populares y alusiones más o menos zafias y grotescas a referentes mitológicos. El propio tema elegido es culto y Góngora lo pasa por el filtro de la poesía tradicional, lo que en sí mismo es una propuesta provocadora.
En el caso del poema que nos ocupa, la mudanza la forma una sextilla, seis versos octosílabos, cuya rima, consonante, debe seguir ciertas pautas: todos los versos deben tener rima, no pueden rimar más de dos seguidos y los dos últimos no pueden formar pareado.
En cuanto al contenido, lo singular de la letrilla es precisamente la conjunción entre lo tradicional y lo culto. El poeta toma un refrán popular y a partir de él desarrolla el poema de forma jocosa deformando un tópico de la literatura culta.
La estructura del poema se organiza en torno a los diversos motivos de este tópico, el Beatus ille, que el poeta satiriza. De manera que, tras el estribillo inicial, el primer apartado (versos 3 a 16) tienen como núcleo significativo el desprecio burlón del poder y del lujo. El poeta desprecia la pompa del poder y prefiere una vida humilde, apegada a los placeres sencillos.
En el segundo apartado se podrían integrar las dos siguientes series (versos 16 a 30), si entendemos también que la segunda, se antepone a la primera y la complementa. Prefiere estar entretenido y a salvo de los rigores del clima, y renuncia desdeñosamente a la ambición, el enriquecimiento o las grandes empresas en general.
En el tercer apartado, la dos últimas series (vv.31 a 44), ridiculiza el amor y lo cambia por los placeres de la mesa.
En cuanto al estilo, evidentemente estamos muy lejos de la poesía hiperculta que Góngora, como sabemos, llevó a extremos insuperables.
La letrilla destaca por la sencillez expresiva. Merece la pena destacarse en el apartado léxico, la presencia en el poema de palabras como “morcilla, mantequilla, bellotas, castañas”, etc.
Sobresale tambiénen el poema el uso de la metonimia, pues el poeta se sirve de ella a lo largo de todo el poema para ir acentuando el contraste entre las dos actitudes ante la vida que contrapone.”Morcilla, mantequilla, bellotas, castañas” y otros elementos similares, concretan así el atractivo contenido del modo de vida que resulta mejor valorado en la letrilla.
La letrilla recoge perfectamente el espíritu de la poesía tradicional, revitalizado, como decimos. El empleo de giros y expresiones del lenguaje coloquial es otra muestra de ello. Así lo vemos en diversos momentos como en la alusión a “el Rey que rabió” o “muy en hora buena””.
En cuanto a las metáforas, estamos lejos del esplendor metafórico del Góngora característico en poemas de registro culto. Hay pocas metáforas y forman parte del apartato humorístico del poema. Así “el golfo” de su lagar, del cual mana el vino o la burlona equiparación del tálamo de los enamorados a la espada y, por supuesto, la hilarante transformación del pastel en Tisbe.
Podría añadirse la graciosa personificación según la cual gobiernan sus días “mantequillas y pan tierno”.
En definitiva, es un estilo en el que domina la sencillez y el gracejo, igual que en otros aspectos del texto, con lo cual se integra perfectamente en la tradición poética que pretende recrear.
El término “Barroco” se formó por el cruce de dos palabras: “barroco” (en portugués: “perla irregular”) y “barocco” (en italiano: “razonamiento retorcido”). Tenía un matiz peyorativo; hoy designa la cultura característica del siglo XVII, que supuso el abandono de la ideología optimista del Renacimiento.
Para profundizar en el periodo barroco, partiremos de estos APUNTES.
El Barroco es un movimiento cultural del siglo XVII en el que se observa una evolución de las ideas y los aspectos temáticos y formales del Renacimiento. Se entra en una época de crisis en el que la visión neoplatónica e idealista del Renacimiento se hace compleja y contradictoria. Se intensifican algunos tópicos que ya venían dándose en la corriente literaria anterior: la fugacidad de la vida, la desaparición de los goces, preocupaciones existenciales. Sin embargo, se huye ahora de la naturalidad y se busca el artificio en el estilo, una complicación en el lenguaje. El manierismo, el estilo artificioso de Herrera, evoluciona en el Barroco, de forma que cada vez se vuelve más rebuscado, artificioso y da origen a dos grandes tendencias: el conceptismo y el culteranismo.
• El conceptismo es una corriente literaria que profundiza en el sentido o concepto de las palabras. Se puede definir como una agudeza mental que da preferencia a las ideas con el fin de impresionar la inteligencia o el deseo de decir mucho con pocas palabras( “la sutileza en el pensar y el decir”). Para conseguir este objetivo utilizan frecuentes metáforas; juegos de palabras como la dilogía; un estilo breve y conciso logrado mediante la elipsis o eliminación de palabras; antítesis de palabras, frases o ideas con el fin de impresionar o agudizar la mente. El máximo representante de esta corriente será Quevedo y, en menos grado, Lope de Vega.
• El culteranismo o gongorismo, en cambio, es una corriente literaria que cultiva la forma de las palabras dejando en segundo plano su contenido. Pretende crear un mundo de belleza, impresionando para ello los sentidos con los más variados estímulos de luz, color, sonido y con un lenguaje ampuloso y culto “un lenguaje dentro del lenguaje”. Los recursos que caracterizan esta corriente son el abuso de la metáfora con el fin de crear un mundo de belleza absoluta; el uso frecuente de cultismos; el abuso del hipérbaton y el uso de palabras parónimas (sonido parecido y diferente significado). El máximo representante será Luis de Góngora.
Las diferencias de estas dos corrientes son más teóricas que reales. Los críticos han señalado que no se puede hablar de tendencias opuestas, ya que en poemas de Quevedo se pueden observar rasgos culteranos y en poemas de Góngora rasgos conceptistas.
(Es bien curiosa la rivalidad que existía entre Góngora y Quevedo. Echad un vistazo a este video).
Si el siglo XVI es la época de asimilación de las formas y los temas que procedían de Italia, el XVII fue el momento en el que se efectúa la síntesis de lo italiano y lo español. Así, en métrica subsisten las formas introducidas por Garcilaso pero los poetas vuelven a utilizar la métrica tradicional castellana anónima en composiciones de claro corte popular, especialmente el romance, la letrilla, y la jácara o canción.
Los romances son poemas característicos de la tradición oral que se popularizaron en el siglo XV y que se recopilan en el Siglo de Oro. Estos romances populares se engloban dentro del Romancero viejo. Son poemas narrativos de una gran variedad temática. Los hay caballerescos, moriscos, de cautivos, mitológicos, burlescos, amorosos y líricos de diversos asuntos. Consisten en una serie de versos octosílabos con rima asonante en los pares. Además, como se ha dicho, los autores cultos del siglo XVII movidos por la belleza de los romances viejos, adoptan ese tipo de estrofa y la enriquecen con temas y recursos formales. Estos romances escritos por poetas cultos en el siglo XVI y sobre todo en el XVII son los que constituyen el Romancero nuevo.
La letrilla es una composición poética que se desarrolla a partir del siglo XVI siguiendo el esquema del villancico, aunque también puede responder al esquema métrico del romance. Los versos son octosílabos o hexasílabos, que riman en consonante o asonante. Algunos versos se repiten a modo de estribillo a lo largo de un determinado número de estrofas, la cuales son simétricas. Se trata de un poema satírico y burlesco de tono ligero por lo general, aunque también las hay de tema religioso y lírico. Sus estrofas pueden ser redondillas o quintillas dobles. Góngora escribió letrillas basadas en la lírica popular e inspiradas en algún refrán burlesco. Las letrillas satíricas más conocidas son las de Quevedo, asimiladas por el pueblo gracias a su tono popular.
La jácara es uno de los géneros satíricos, en verso, que se representan en el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Los personajes solían ser delincuentes, pícaros, chulos, guapos o gente del mundo del hampa. Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos. Muchos cultivaron el género pero destacan Quevedo y Calderón de la Barca sobre todo. Antes de ser representada, la jácara ya existía como composición poética, generalmente un romance. La jácara provenía de la canción provenzal que llegó a España en el Renacimiento a través de la literatura italiana. Estaba compuesta por un número variable de estrofas (estanzas) que combinaban versos con rima consonante de siete y once sílabas.
Deberes: Entregar un comentario de San Juan (14/10/2022)
Biografía
Juan de Yepes nació en Fontiveros ( Ávila ) en 1542 y murió en Úbeda (Jaén) en 1591 a la edad de 49 años. Creció en el seno de una familia hidalga empobrecida; empezó a trabajar muy joven en un hospital y recibió su formación intelectual en el colegio jesuita de Medina del Campo.
A los veintidós años ingresó en la orden de los carmelitas (fue entonces cuando cambió su nombre por Juan de la Cruz). Animado por Santa Teresa de Jesús emprendió la reforma de la orden. Su orden reformada de carmelitas descalzos tropezó con la abierta hostilidad de los carmelitas calzados, a pesar de lo cual logró desempeñar varios cargos. Tras enseñar en un colegio de novicios de Mancera, fundó el colegio de Alcalá de Henares. Más adelante se convirtió en el confesor del monasterio de santa Teresa.
En 1577 prosperaron las intrigas de los carmelitas calzados y fue encarcelado en un convento de Toledo durante ocho meses. Tras fugarse, buscó refugio en Almodóvar. Pasó el resto de su vida en Andalucía, donde llegó a ser vicario provincial. En 1591 volvió a caer en desgracia y fue depuesto de todos sus cargos religiosos, por lo que se planteó emigrar a América, proyecto que frustró su muerte prematura. Canonizado en 1726, fue proclamado Doctor de la Iglesia en 1926.
Obra
San Juan de la Cruz concebía la poesía como un medio de comunicación con Dios. Por lo tanto, sus versos son la expresión de la doctrina mística y de su experiencia personal en ese campo. El tema fundamental de su poesía es el amor a Dios. Al igual que hicieran Petrarca y Garcilaso, San Juan analiza las distintas emociones que siente su alma sedienta de Dios hasta que se produce el encuentro feliz con Él.
Dada la inefabilidad de la experiencia mística, expresa poéticamente esa vivencia a través de imágenes. En esa experiencia, su alma, la Esposa, busca y encuentra al Esposo, Cristo, tras superar las distintas etapas del proceso purificador (ascética).
Gracias a los ejercicios ascéticos el alma se despoja de todas sus necesidades y potencias- memoria, entendimiento y voluntad- para, completamente limpia de todo lo que no sea Dios, poder fusionarse con Él en la unión mística.
Los caminos o vías que han de seguirse para lograr la unión mística son: la vía purgativa, en la que el asceta va eliminando, con gran trabajo, todas sus necesidades humanas; la vía iluminativa, en la que inicia el tránsito luminoso que llevará el alma hacia Dios; y la vía unitiva, la última, en la que el alma se une a Dios en el éxtasis místico.
Sin embargo, Cristo aparece como un amante esquivo que, después de haber dado al alma alguno de sus favores, se marcha, dejándola sumida en la noche oscura de la angustia y la soledad.
San Juan escribió unos cuantos poemas de tipo tradicional- romances, villancicos, canciones, glosas-, pero obviamente lo más importante de su producción son sus tres grandes poemas místicos en los que emplea la lira:
. Noche oscura del alma. Describe simbólicamente el proceso de unión mística del alma con Dios: en una noche oscura (símbolo de la oscuridad en que está sumida el alma), una muchacha (el alma) huye de su casa (el cuerpo) para ir al encuentro del Amado (Dios); al encontarse tiene lugar la unión mística.
. Cántico espiritual. Inspirado en el “Cantar de los Cantares” bíblico, es el poema más extenso: cuarenta liras. En él, la Esposa (el alma) sale en busca de su Amado (Dios). después de preguntar por él a las criaturas de la naturaleza, lo encuentra reflejado en una fuente. Tras un bellísimo diálogo entre ambos, se produce la unión amorosa, símbolo de la unión mística. En el poema aparecen descritas las tres vías.
. Llama del amor viva. Breve poema de veinticuatro versos, repartidos en seis estrofas, que describe en tono exclamativo el estado del alama abrasada en la llama del amor divino.
Al margen de su significación religiosa y su sentido simbólico, estos tres poemas pueden ser considerados como ejemplos inigualables de poesía amorosa. De hecho, podemos considerar que en casi toda su obra poética los elementos propios de la poesía amatoria han sido divinizados. La lírica de San Juan de la Cruz constituye una de las cumbres de la literatura universal.
Fuentes literarias. Lenguaje
San Juan conjuga la tradición lírica castellana de los cancioneros con la tradición culta italianizante y con la tradición poética de la Biblia. En su lengua poética mezcla elementos cultos con motivos de la lengua popular, sobre todo referidos a la naturaleza, el amor o la caza.
Igual sucede con las figuras retóricas ya que alterna aliteraciones llenas de sensualidad, típicas de la literatura renacentista, junto a tradicionales recursos de la poesía de cancionero- antítesis, paradojas y juegos de palabras-.Éstas última figuras le ayudan a explicar los contradictorios sentimientos del amor. Obviamente, la naturaleza inefable de la experiencia mística precisa de los símbolos para explicarse.
Introducción. Tema o asunto:
Una joven cuenta cómo, en plena noche, aprovechando la tranquilidad de esa hora, sale a escondidas de su casa y va a reunirse con su enamorado. Envuelta en la oscuridad, se deja dirigir por la luz de su propio amor hasta el lugar de la cita, donde la pasión de los amantes culmina. A continuación, relajados por la brisa nocturna, los amantes se adormecen, primero, el amado velado por la amada, por último, ella misma.
Si se considera el poema desde un punto de vista religioso, en él se describe la experiencia mística del poeta desde que su alma, la amada, está purificada hasta que se une a Dios, el amante. La escapada nocturna representa el camino recorrido por el alma, en el que se distinguen tres pasos necesarios: la vía purgativa, la vía iluminativa y la vía unitiva. Cada una de estas “vías” se refiere a un estado distinto de la vivencia del místico. El místico es un hombre que logra “fundirse” con Dios, sentirlo dentro de sí. Para llegar a ese momento de exaltación espiritual en que el hombre deja de ser él mismo porque Dios ocupa todo su ser, el místico ha de pasar por distintos momentos que lo han preparado para esa situación sublime.
El primero de esos momentos es la VÍA PURGATIVA, que tiene como fin purificar el alma para hacerla digna de Dios. Esta purificación se consigue a través del alejamiento de todas las tentaciones y preocupaciones terrenales, de modo que nada pueda distraer al alma del anhelo de encontrar a Dios. La “casa sosegada” sugiere esta calma del espíritu, distante de cualquier inquietud que lo perturbe. La “noche” que ayuda a la amada no es la noche del mundo real, la oscuridad que esconde a la amada de la vigilancia de aquéllos que podrían impedir su amor. La noche es la noche del espíritu, un estado del alma en el que ésta no presta atención a nada externa, porque para que Dios entre en ella, el alma debe olvidarse del mundo y concentrarse sólo en ella.
Ya en esa noche, donde el alma está sola, comienza la VÍA ILUMINATIVA, el paso en el que el alma ve o siente la presencia de Dios. Este momento está simbolizado en el texto por la luz “que en el corazón ardía”. En un texto que trata sobre el alma y Dios, la luz tiene que ser necesariamente una luz interior, Dios hace arder en el corazón, porque esa luz es una gracia que Dios concede al alma para señalarle su presencia. La luz es, en suma, una muestra del amor de Dios.
En el verso 25º, “amada en el Amado transformada”, se produce la realización de la “VÍA UNITIVA”. En esta última vía, el alma logra sentir plenamente a Dios en ella y pierde la conciencia de sí misma, llega a ser un solo ser con Dios. En esta experiencia, el alma deja de ser ella misma para formar parte de la divinidad y vivir una sensación que está más allá de la razón humana. Sólo la noche le sirve para explicar esta vivencia de unirse a Dios, puesto que en la noche parece no existir nada salvo Dios.
Las últimas estrofas expresan la felicidad del alma tras el encuentro con Dios. En ellas, el alma revela una actitud distinta de la del inicio del poema. Ahora, todo el entorno es un reflejo del amor: los cedros, la almena, el aire y las metáforas de las flores forman un mundo donde todos los elementos son cómplices del amor y aíslan a los amantes. Este mundo reflejaría la impresión de paz y de belleza que deja Dios en el alma del místico.
Estructura interna:
El texto se puede dividir en tres partes:
-Primera parte (estrofas 1ª y 2ª): trata de cómo la muchacha escapa de su casa/ Vía purgativa
-Segunda parte (estrofas 3ª y 4ª): muestra a la muchacha, ya fuera de la casa, yendo al encuentro del amado/ Vía iluminativa
-Tercera parte (de la estrofa 5ª a la 8ª): en la 5ª estrofa expresa el clímax que provoca el encuentro de los amantes/ Vía unitiva// en las tres estrofas siguientes, describe la relajación que sigue a la pasión del encuentro/ Felicidad del alma tras el éxtasis místico.
(Partimos de que el poema está articulado en torno a una serie de símbolos ya comentados: la noche oscura, la soledad de la amada, la casa sosegada, la luz interior, la unión entre Amado y amada). Otras figuras que podemos destacar son:
1a estrofa: epíteto (“noche oscura”); exclamación retórica para enfatizar la alegría de la joven (“¡oh dichosa ventura!”)
1ª y 2ª estrofas: repeticiones para destacar que la noche disimula la salida de la amada.
3ª estrofa: personificación (“noche dichosa”), que atribuye a la noche los sentimientos de la muchacha; antítesis (“noche dichosa”// “otra luz”)
4ª estrofa: comparación y perífrasis.
La estrofa 5º acumula gran cantidad de recursos porque en ella se produce el hecho esencial del poema, la unión amorosa de los amantes: apóstrofe, exclamación retórica ,anáfora, paradoja (“noche que guiaste”) y antítesis (“noche amable”/ “alborada”), derivación y aliteración (Amado con amada,/ amada en el Amado)
Resto de estrofas: metáforas para destacar la belleza de los amantes (“pecho florido”// “azucenas”). La aliteración de d y m en los versos 36º (“Quedéme y olvidéme”) y 38º y 38º, apoyada en una derivación, (“dejéme,/dejando mi cuidado”), potencia la idea de paz con que la muchacha se abandona al descanso.
PROPUESTA DE CONCLUSIÓN. Noche oscura del alma es un poema típico de la poesía mística con el que su autor, San Juan de la Cruz, logra transmitirnos las sensaciones que el alma experimenta en su ascenso hasta la unión con Dios. Y lo hace sobre la base de imágenes tomadas del amor humano, de una estructura renacentista perfectamente equilibrada y armónica , y de elementos intensificadores basados sobre todo en técnicas de repetición. Todo ello, además, a través de un lenguaje llano y musical.
Se trata del poema más puramente místico del autor, que prescindiendo de las vías purgativa e iluminativa, intenta expresar la emoción y el deleite de la unión mística. “Llama de amor viva” probablemente sea la declaración más intensa y sentida de amor a Dios jamás expresada por ser humano.Este poema fue compuesto por Juan de la Cruz en el convento de los mártires de Granada, en 1584 (o 1585), mientras era vicario provincial de Andalucía. Fue escrito en quince días, a petición de Ana de Peñalosa, una de sus hijas espirituales preferidas.
Según el mismo Juan de la Cruz, las cuatro estrofas de su poema se inspiran, respecto a su estructura, en un poema de Garcilaso: la soledad siguiendo…
El tema del poema es la unión mística con Dios, y también el amor que el poeta siente hacia él.
ESTRUCTURA INTERNA
En la primera estrofa, San Juan identifica a Dios con una llama que arde tiernamente dentro de su alma. Su deseo de Dios es tan grande que le pide que rompa la barrera entre lo divino y lo terrenal y le permita unirse con él (“¡rompe la tela de este dulce encuentro!”).
En la siguiente estrofa expresa las contradicciones del amor místico; por un lado es agradable y, por otro lado, es doloroso. Por otra parte, se alude a los tres componentes de la Santísima Trinidad: el “cauterio” es el Espíritu Santo; la “mano” es el Padre y el “toque” es el Hijo. La estrofa concluye con una paradoja
En la tercera estrofa el poeta identifica la luz de Dios con una lámpara cuya luz da sentido a su vida: antes de enamorarse de él, “estaba oscuro y ciego” pero tras el enamoramiento este amor da luz y color a su vida.
.En la última estrofa San Juan habla de la serenidad que le produce el amor que anida secretamente en su corazón. Es un amor espiritual, delicado, como un suave aroma.
La exclamación retórica, el apóstrofe y el paralelismo son las figuras que articulan la composición . Estos recursos remarcan el sentimiento de plenitud y felicidad máxima que siente el “yo” poético.
También son frecuentes los epítetos ( “dulce encuentro”, “mano blanda”, “toque delicado” , “profundas cavernas”) que San Juan utiliza para ornamentar estos pequeños detalles, resaltando el adjetivo por encima del sustantivo.
También encontramos diversas metáforas: “lámparas de fuego” y “llama de amor viva” que hacen referencia a la iluminación y al calor que el amor de Dios le produce (lámparas dan luz || llama da calor).
San Juan también utiliza la repetición o paralelismo especialmente en la segunda estrofa:
“¡O cautiverio suave!
¡O regalada llaga!
¡O mano blanda! ¿O toque delicado…”
Apreciamos un predominio de la paradoja (“Tiernamente hieres”, Cauterio suave”. “regalada llaga”, “Matando, muerte en vida has trocado”), figura que, como hemos comentado con anterioridad, le permite expresar los sentimientos contradictorios que le provoca la experiencia mística.
Atendamos finalmente al uso de la aliteración en la última estrofa.
Hay que destacar la importancia de la “Llama de amor viva” en la obra poética de San Juan de la Cruz. Esta es es sin duda la composición más pasional y ardiente de toda la obra poética de San Juan de la Cruz. En ella se refleja la cumbre del misticismo español de la época y también la cumbre de San Juan de la Cruz como poeta.
*Hacer hincapié en la clasificación cronológica de los poemas de Fray Luis (apuntes complementarios).
Locus amoenus
DEBERES: Lectura de los comentarios de Fray Luis publicados en el post anterior. Análisis métrico de las composiciones e identificación de las figuras retóricas.
