LA REPRESENTACIÓN TEATRAL

Durante el siglo XVI, las compañías de cómicos ambulantes iban de ciudad en ciudad y de pueblo en pueblo actuando allí donde encontraban espectadores, representando sus obras en las plazas de los pueblos, en escenarios improvisados con algunas tablas o incluso en su propio carro. Hasta mediados del s. XVI, no aparecieron los primeros espacios fijos destinados exclusivamente a la representación teatral: “los corrales de comedias.” Se llamaban así porque en sus orígenes ocuparon los patios interiores de las casas, lo que eran los corrales. Eran, por tanto, locales al aire libre, tan sólo cubiertos por una lona que protegía a los espectadores del sol. A finales del siglo XVII todas las ciudades y poblaciones importantes de España contaban con teatros fijos.

La representación era muy sencilla, al menos durante los primeros decenios del s. XVII. No había apenas decorado; a lo sumo unas cortinas o unos simples telones con pinturas rudimentarias. La escenografía irá variando y complicándose  conforme  nos acerquemos a la época de Calderón de la Barca, pero en tiempos de Lope de Vega, la palabra era el elemento esencial y casi único de la representación. La fantasía del espectador debía de colaborar activamente supliendo el rudimentario montaje escénico.

 El público que asistía a las representaciones era muy heterogéneo en cuanto a su condición y cultura. El público se distribuía en tres zonas bien delimitadas: en los balcones (un público selecto y más bien culto); en el patio, de pie, los hombres, que recibían el nombre de “mosqueteros” y en la  parte de atrás, más elevada, la “cazuela”, se situaban, sentadas en bancos, las mujeres.

De la opinión de los “mosqueteros”, mostrada casi siempre ruidosamente, dependía el éxito o fracaso de la obra representada.

El público no tenía mucha posibilidad de evitar la mezcla social: los hombres se situaban de pie o en los bancos sentados, mezclándose los plebeyos con los cultos y letrados; las mujeres se sentaban en la parte posterior elevada “cazuela”, compuesta de largos bancos al cuidado de un acomodador, conocido como “apretador de cazuela”. La división fundamental era, por tanto, la de los sexos. Pero eso mismo revela que la asistencia femenina era muy numerosa. Además, al contrario que en Inglaterra los papeles femeninos eran representados por mujeres  y no por muchachos, y era tradicional que los papeles de muchachitos los representaran actrices.

VISITA VIRTUAL A UN CORRAL DE COMEDIAS

El Corral de comedias de Almagro (Ciudad Real)es el más conocido por ser el único que permanece activo tal y como era en el s. XVII. Si quieres saber más sobre él, pincha aquí.

NORMAS DEL TEATRO CLÁSICO GRIEGO

1. Tajante distinción entre tragedia y comedia.
Tragedia: Inicio feliz, pero final triste.
El asunto debía de ser histórico, escrita en verso heroico, los protagonistas de alto linaje: dioses, reyes o de la alta nobleza.

Comedia: El inicio es un conflicto, pero termina felizmente.
El asunto tenía que ser inventado, escrita en prosa afín a la lengua coloquial, la condición social de los personajes tenía que ser media o baja.

2. División en cinco actos ( tanto tragedias como comedias)

3. Observación de las tres unidades : tiempo, lugar y acción.

Unidad de tiempo: la h ª que se representaba no podía superar un límite de tiempo determinado que solía fijarse en 24 horas.

Unidad de lugar o espacio: la acción se desarrollaba en un solo lugar.

Unidad de acción: la obra debía tener un único argumento. No se podían mezclar distintas historias.

4. La finalidad es didáctica. ( enseñar deleitando al pueblo)

CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO:

En cuanto a la técnica teatral se reseñan las normas más importantes trazadas por Lope de Vega en su Arte Nuevo de hacer comedias :

Mezcla lo trágico y lo cómico. Confusión de los géneros dramáticos, en concreto, de la comedia y la tragedia. Bajo el nombre genérico de comedia, se incluirán comedia, tragicomedia e, incluso, tragedia.
No importa que aparezcan reyes en la comedia, se mezclan por tanto personajes trágicos y cómicos según los preceptos clásicos.

División tripartita. Consta de 3 actos ( frente a los cinco del teatro clásico). Así se adapta a las partes de la acción: planteamiento, nudo y desenlace. El planteamiento debe ser rápido y el desenlace en la escena final. Lo esencial es la intriga. Todo ello con un objetivo: que el público no se aburra.

Ruptura de las unidades clásicas de lugar, tiempo y acción.
En lo que se refiere a la acción, ésta será movida y variada. La comedia presenta dos acciones paralelas, como mínimo: 1) protagonizada por los personajes de rango elevado 2) La desarrollada por los criados.

Uso de la polimetría. Variedad de metros y estrofas, acomodando el uso del verso a la situación dramática: romances para los relatos, sonetos en los soliloquios, décimas para las lamentaciones, tercetos para los diálogos graves, redondillas para los diálogos amorosos.

Variedad de estilo. Adecuación del comportamiento y del lenguaje a la realidad de cada personaje.

Pluralidad temática. La tradición épica , el respeto a la Monarquía, el amor , el honor, y el sentimiento religioso son los temas principales.

Finalidad. Divertir al público .
“Como las paga el vulgo, es justo
hablarle en necio para darle gusto”

ESQUEMA DE LA EVOLUCIÓN DEL TEATRO CLÁSICO

Teatro clásico
5 actos
3 unidades
S. XVII (Comedia española)
3 actos o jornadas
NO 3 unidades
S. XVIII (Neoclasicismo)
5 actos
3 unidades
S. XIX (Romanticismo)
Libertad absoluta

PERSONAJES CARACTERÍSTICOS DEL TEATRO DEL SIGLO DE ORO.

En el teatro del s. XVII hallamos diversos personajes característicos, son personajes arquetipos, que eran identificados inmediatamente por el público por su vestimenta. Son personajes-tipos, una serie determinada de tipos genéricos. Los que aparecen con mayor frecuencia son:

El rey: (el justiciero) Defensor de la justicia y el orden, encargado de premiar y castigar. En el caso de que el rey se comporte como un tirano sólo Dios puede castigarlo. Los dramaturgos, en estos casos, solucionan el problema haciendo que el monarca se arrepienta sinceramente, y de esta manera se restablece el orden y la justicia.

El noble: (el tirano)Subordinado del rey. Esta figura, cuya auténtica misión es la defensa del orden y la justicia en la ciudad o la comarca a él confiada, suele actuar como fuerza destructora y ser la causa y origen de la injusticia para sus vasallos, abusando de su poder, ejercido injustamente. Su actuación injusta, junto con su soberbia, le hacen merecedor del castigo por parte del rey; castigo que, en ocasiones, es realizado directamente por sus propios vasallos ofendidos, siendo ratificado posteriormente por el rey.

El caballero: (el prudente)suele estar representado por un padre anciano, un esposo o un hermano, defensor del honor familiar. El honor familiar está encarnado en la figura de una dama; ello les obliga a vigilar celosamente a la dama confiada a su cargo y a reparar toda ofensa que le sea hecha, único medio de salvaguardar el orden ético-social de la familia.

El galán y la dama: (el enamoradizo y la honesta) Son las figuras claves de toda intriga. Sus conductas se mueven por un triple impulso: celos- amor- honor. Viven en un mundo de rígidas normas públicas. Su misión dramática es mantener el suspense y la intriga hasta el final.
El galán suele ser joven y se caracteriza por su valor, audacia, generosidad, constancia, capacidad de sufrimiento, idealismo, apostura y linaje. (Reúne todas las virtudes)
La dama se caracteriza por su belleza, linaje, absoluta dedicación amorosa.

El villano (aldeano): (el honrado) Refleja el tópico renacentista de la aldea enfrentada a la Corte (“Beatus ille”). Apegado a la tierra, al mundo rural, es siempre representado idílicamente en un estilo de vida marcado por la sencillez, la alegría, las fiestas, los cantares, en una paz que se altera cuando irrumpe en escena el mundo cortesano. La intromisión del noble en su mundo origina el drama. Se siente también poseedor de un honor que defender (dignidad como persona fundamentada en su limpieza de sangre)

El gracioso: (el materialista y sensato) Una de las aportaciones principales de Lope de Vega es la creación de la figura del donaire o gracioso. Frente al personaje del bobo del teatro anterior, el gracioso se caracteriza por ser ingenioso. Sus comentarios cómicos suelen ir acompañados de una intención crítica.. Con frecuencia, es el inventor de la traza para que el galán consiga el amor de su dama.
Es el amigo y confidente del galán, y, en la mayoría de los casos, su contrapunto en el carácter. Si el galán vive en un mundo artificial e idealista, el gracioso se mueve en el de la realidad cotidiana y se preocupa más de los placeres corporales que de los espirituales.
El gracioso representa al pueblo llano ante la nobleza. Es un buen consejero de su amo por su sentido práctico de la vida.

HONRA, HONOR y AMOR EN EL TEATRO DE LOPE DE VEGA

La Honra y el honor son valores de gran importancia en la sociedad del s. XVII. Todo lo relacionado con ellos atrae a la gente , y ésta es la razón por la que aparecen de forma constante en el teatro barroco.
El honor era un concepto objetivo y cuantificable: el patrimonio económico del que uno disponía o heredaba de sus antepasados. Aparte del patrimonio económico, también estaba el sanguíneo: el hecho de no descender de ningún judío, o de ningún musulmán, de tener, como se decía en la época, “pureza de sangre”, también era una virtud que contribuía al honor.
La honra era un concepto subjetivo, y consistía en la dignidad que uno tenía a ojos de los demás. Se trataba, por lo tanto, de una virtud sujeta a la opinión de la gente, al qué dirán .La honra se consideraba más importante que la vida, y nadie quería vivir sin ella.
De la honra de la mujer, es decir, de su virginidad antes del matrimonio, respondía el miembro más inmediato ( el esposo, el padre, el hermano) . La mujer soltera y sin honra sólo podía ser reparada con el matrimonio, o con la muerte del seductor y el encierro de la seducida. Si la mujer era casada, la honra sólo se lavaba con sangre. En ningún caso era admisible que la mujer deshonrada se tomase la justicia por su mano, empuñase un arma y acabase con su enemigo.

PRINCIPALES AUTORES : LOPE DE VEGA (artífice del cambio, y creador de la COMEDIA NUEVA) y PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA (posterior a la época de Lope y discípulo suyo, continuó la renovación del teatro español)

LOPE DE VEGA. Su vida

 La vida de Lope de Vega (1562-1635) transcurre durante los reinados de Felipe II, Felipe III y Felipe IV, una de las etapas más complejas de la historia de España. Conoce. Como Cervantes, fue testigo de los últimos años de esplendor del imperio español y los primeros de su decadencia. (Durante estos tres reinados España sufre tres bancarrotas : la guerra con los Países Bajos y el lujo desenfrenado con que vivía la Corte estaba desangrando al estado. La crisis económica fue especialmente cruel con el campo. El campesinado sufre los altos impuestos sobre alimentos de primera necesidad y aquellos que tienen pocas propiedades se van arruinando cada vez más. La mayoría tuvo que emigrar a América, enrolarse en el ejército o engrosar las filas de pícaros y bandoleros)

 Lope de Vega nace en Madrid en 1562, hijo de un bordador. Fue un niño precoz que empezó a cultivar la poesía a muy corta edad. Él mismo contó que había escrito una comedia a los 12 años. Lope fue un hombre tremendamente apasionado, tuvo muchos amoríos , y su vida sentimental está estrechamente ligada a su vida poética.

 Su primera aventura conocida es a sus 21 años, con una mujer casada, llamada Elena Osorio, a quien Lope llamará “Filis” en sus romances amorosos. Cuando, después de 4 años, Elena le abandona por otro amante, de mejor posición social, Lope , despechado, se dedica a escribir unos poemas insultantes sobre ella y su familia. A causa de esto, fue condenado por injurias y castigado a 8 años de destierro de Madrid. Cumple el destierro en Valencia. Allí se enamora de Isabel de Urbina ( la Belisa de algunos conocidos romances y de parte de La Arcadia , novela pastoril). La familia de Isabel se oponía a la boda con Lope, así que éste decide raptarla, y contraen matrimonio en 1588, cuando ella tiene 17 años y él 26. Dos años más tarde Lope se traslada con su mujer a Toledo, donde entra a trabajar como secretario del duque de Alba. 1594 Isabel muere y Lope se traslada a Madrid.

 En 1594 Lope regresa a Madrid siendo ya un célebre dramaturgo, pero los escándalos no cesaron. Al poco de llegar, en 1595 se le procesó por vivir amancebado con una tal Antonia Trillo, aunque ignoramos el resultado de esta causa. En 1598 contrae matrimonio con Juana de Guardo, una rica heredera, hija de un carnicero. Juana aportó al matrimonio una cuantiosa dote y un hijo al que Lope quiso mucho (Carlos Félix) y dos hijas. No obstante, probablemente incluso antes de esta boda, Lope mantenía ya una relación amorosa con la actriz Micaela de Luján, la Celia o Camila Lucinda de sus versos. Lope se vio obligado, con cierto escándalo social, a mantener a dos familias, pues con Micaela también tuvo varios hijos. No se conoce cuándo murió Micaela o cuándo se produjo su ruptura con Lope, pero el caso es que al cabo de 15 años de relaciones, Micaela desaparece y Lope la reemplaza por otra actriz famosa: Jerónima de Burgos, para la que compuso varias comedias, entre ella La dama boba.

 En 1609 Lope ingresa en una institución religiosa, la Congregación de Esclavos del Santo Sacramento y en 1611 se hace miembro de la orden tercera de San Francisco. Se observa, por tanto, en Lope un acercamiento a la Iglesia; a pesar de continuar con sus aficiones galantes, Lope empieza a orientarse hacia la vida religiosa. Entonces ocurren dos trágicos acontecimientos : 1612 muere su hijo Carlos Félix y en 1613 muere su esposa Juana durante el parto de una niña. Lope toma la decisión al año siguiente de ordenarse sacerdote. Y en 1614, con 52 años, Lope celebra su primera misa.

 A pesar de sus buenas intenciones y de su nuevo estado, este hombre supremamente natural y espontáneo era incapaz de renunciar a las mujeres por mucho tiempo. Antes de que hubieran transcurrido dos años desde su ordenación, se inicia el último gran amor de su vida: Marta de Nevares Santoyo, de 26 años, esposa de un negociante. Ésta fue la Amarilis a la que cantó en numerosos poemas y en su égloga Amarilis (1633). Lope se dedicó a ella y la protegió aun después de haberse vuelto ciega y parece ser que también loca, hasta la muerte de ella en 1632.

Lope de Vega murió el 27 de agosto de 1635. Su protecto, el duque de Sessa, dispuso unos funerales que duraron 9 días, durante los cuales la nobleza y el pueblo llenaron las calles de Madrid para rendir un homenaje póstumo a este genio impar.

 LOPE DE VEGA. Su obra

Lope ha sido el escritor más fecundo de nuestra Literatura. Cultivó extensamente casi todos los géneros literarios de su tiempo : poesía lírica y épica, de la narrativa : novela pastoril, bizantina y novela corta , y el teatro. En todos los géneros fue realmente excepcional y, además abundante, pero su fama se cimenta, sobre todo, en el género dramático.

Obra lírica

Lope fue desde muy joven famoso por sus romances. Los romances eran por lo general autobiográficos, bajo seudónimos bien conocidos por el público como “Belardo”, “Zaide”, “Belisa”, etc..

Compuso numerosos poemas amorosos, sacros o burlescos -en su mayoría sonetos- que reunió en Rimas (1602), Rimas sacras (1614) y Rimas humanas y divinas (1634)

 Obra épica

 Escribió poemas épicos teniendo como modelos a Homero, Virgilio, Ariosto y Tasso. Los más importantes son: La hermosura de Angélica, La Dragontea, El Isidro, y La Gatomaquia. La mayoría de ellos están escritos en octavas reales.

 Obra narrativa

 De los diferentes tipos de novelas que existían en el s. XVI, Lope desechó las novelas caballerescas y la picaresca. Sin embargo, sí cultivó la novela pastoril, la bizantina y la novela corta. Son obras destacadas: La Arcadia, novela pastoril; El peregrino en su patria, novela bizantina y Novelas a Marcia Leonarda, novelas cortas, dedicadas a su último amor, Marta de Nevares.

Obra dramática (mirar página 97 del libro de texto y apuntes de clase)

Su obra más importante : Fuenteovejuna (estudiar argumento)

En esta escena vemos el parlamento de Laurencia cuando, habiendo sido raptada y violada por el comendador en el día de su boda con Frondoso, irrumpe en la asamblea de hombres y les insta a vengarse del tirano.

PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA

El gran teatro del mundo

Don Pedro Calderón de la Barca escribió esta obra a modo de Auto Sacramental que fue representado por primera vez en las fiestas del Corpus Christi en Valencia, en 1641, aunque se cree que fue escrita una década antes. El gran teatro del mundo describe la vida como una escenificación, imagina al mundo como si fuese un gran teatro y transmite la idea de que sólo a través de la muerte se llega a la verdadera vida. Cada personaje de esta gran comedia escenifica su papel, y cuando termine la obra recibirá un premio o un castigo, según haya obrado bien o mal:
Aparecerán una serie de personajes a los que el Autor les dará su justo papel para que representen la obra, de la que él, y nosotros, vamos a ser los espectadores. Los papeles dados son alegóricos, el Rico y el Pobre, el Rey y el Labrador, la Hermosura y la Discrección, y un Niño son los personajes de la obra que representan. Después de entregados los papeles el Mundo les da a cada uno las insignias de su personaje para ayudarles en su representación; y en función de su buena actuación el Autor les premiará o por el contrario castigará a aquél que haya errado su representación al término de esta.

Su obra más importante es el drama filosófico : La vida es sueño

(estudiar argumento)En Polonia, el rey Basilio consulta al oráculo sobre su recién nacido hijo, Segismundo.  La respuesta es que el nuevo heredero será un gobernante  cruel al ocupar el trono y humillará a su padre.

Segismundo es recluido en una torre, encadenado, a cargo de Clotaldo, con el fin de evitar que la predicción se cumpla

Transcurrido el tiempo, el Rey desea probar a su hijo.  Lo adormece para que despierte en medio del palacio y como monarca.  El nuevo Rey actúa en forma abusiva y arbitraria.  Le quita la vida a un criado arrojándolo por la ventana.  A su padre, le falta el respeto. Con esta experiencia, el heredero es restituido a su torre y le hacen creer que lo vivido fue un sueño.

Posteriormente, el pueblo se entera de la existencia de Segismundo y lo proclama Rey.  En esta oportunidad, actúa diferente: reconoce la autoridad de su padre y armoniza con él.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=e8d_yDCEd9c[/youtube]

Enlaces a los textos de los soliloquios: Soliloquio I (acto I) Segismundo está encarcelado en la torre y se pregunta por qué los animales tienen más libertad que él.  Está formado por la exclamación primera “Ay, infelice de mí, ay infelice” y siete décimas.

Soliloquio II (acto II) Segismundo filosofa sobre qué es la vida tras su corta experiencia en palacio y haber sido devuelto a la torre.

Temática de La vida es sueño: El destino y el libre albedrío.

El libre albedrío es la capacidad del hombre de decidir los caminos de su vida. Su poder fue una preocu­pación candente en la Europa del momento desde la época de la Reforma luterana a principios del siglo XVI. Hubo muchas discusiones sobre si el hombre podía ayudar a su salvación (ir al Cielo) con las obras buenas que realizó en este mundo o si su condena o salvación ya estaban predestinados por Dios. Quienes confiaban en el poder del libre albedrío sostenían que el hombre podía torcer cualquier mala inclinación y sobreponerse a las adver­sidades por medio de sus buenas elecciones.

Calderón se sitúa claramente a favor del libre albedrío, pues Segismundo consigue vencer su destino, y el oráculo no se cumple finalmente.

El tema de la vida como un sueño, por su parte, tiene en esta obra un sentido profundamente religioso con la mirada puesta en la trascendencia. La idea que se maneja aquí supone que la vida puede considerarse un sueño, porque es sólo el camino hacia otra vida “más verdadera”, y que to­das las glorias, posesiones y poderes mundanos son un espejismo compara­dos con la “gloria eterna”.

…………..
SIGLO XVIII: NEOCLASICISMO Significó una vuelta a las normas clásicas del teatro.
Leandro Moratín y su obra El sí de las niñas (estudiar argumento)

Francisca, muchacha educada en un convento, está prometida en matrimonio al casi sexagenario don Diego, por deseo de su madre, doña Irene. Don Diego espera en una posada la llegada de su prometida, que en realidad está enamorada del soldado que ella conoce como ‘don Félix’ y se siente obligada a obedecer a su madre, en contra de sus sentimientos. Cuando don Félix le dirige una carta, ésta cae en manos de don Diego, que descubre la relación y pide una confesión sincera de su prometida. Doña Irene insiste en imponer su autoridad, pero don Diego renuncia al compromiso. Al poco tiempo se descubre que el joven soldado en realidad se llama don Carlos, sobrino de don Diego, y ambos jóvenes reciben su consentimiento para casarse.