En Marzo de 1966 Carmen Sotillo, a los 44 años, acaba de perder a su marido Mario de forma inesperada. Una vez que las visitas y la familia se han retirado, ella sola vela durante la última noche el cadáver de su marido e inicia con él un monólogo-diálogo en el que descubrimos sus personalidades y los conflictos de su matrimonio.
El núcleo central de esta narración lo constituye el soliloquio de Carmen, el monólogo (o monodiálogo) de una conservadora mujer de clase media alta con el cadáver de su prematuramente fallecido marido Mario, catedrático de instituto y comprometido periodista e intelectual. A través de los recuerdos de su vida, en muchos aspectos, insatisfactoria vida en común, Delibes recrea la España provinciana de la época, los problemas de la falta de comunicación en el matrimonio, así como el conflicto de las “dos Españas”. La obra consta de un prólogo, un núcleo central de veintisiete capítulos (el monólogo de Carmen) y un epílogo. Cada uno de estos capítulos del núcleo central comienza con una cita bíblica, pasajes que Mario había subrayado en su biblia de cabecera. Partiendo de estas citas, Carmen va desgranando sus pensamientos, haciéndole a su marido continuos reproches por su integridad moral y falta de ambición, que han impedido que alcanzaran el reconocimiento y estatus social que ella ambicionaba para su familia, así como por su actitud de superioridad y frialdad hacia ella. Relata cómo se hicieron novios, cómo acabaron casándose y otros recuerdos que revivirá durante las cinco horas en las que vela el cuerpo de su difunto marido, utiliza un lenguaje coloquial, evidente desorden temporal que sus recuerdos aparecen mezclados. El libro tuvo una buena acogida. Se realizó una versión teatral también de éxito y, en el año 1981, la realizadora Josefina Molina rodó la película Función de noche, inspirada en esta obra.
Lola Herrera fue la actriz que estrenó la obra interpretando el papel de Carmen Sotillo. El 26 de noviembre de 1979 se estrenó la obra en el Teatro Marquina de Madrid. La actriz Natalia Millán representó de nuevo la obra en re-estreno de septiembre de 2010.
Una entrevista para no perderse:
Enlaces interesantes para el estudio de Cinco horas con Mario y de su autor:
Este enlace del Centro Virtual Cervantes ofrece información básica sobre el autor: biografía, obras, bibliografía, etc.
http://cvc.cervantes.es/ACTCULT/delibes/
Este otro enlace ofrece informació básica sobre el autor, con recursos y glosario
http://www.catedramdelibes.com/
Y estas últimas son guías de lectura de la novela, por capítulos, con aclaraciones sobre expresiones y vocabulario y otras cuestiones culturales e históricas.
La conocida marca Tippex ha creado un anuncio interactivo desde el cual puedes participar activamente dando órdenes (escribiendo acciones en inglés sobre la rotulación en blanco: por ejemplo sing, dance, sleep, etc.) al oso y al cazador. Lo sorprendente es que ambos harán lo que tú decidas. I si no pueden hacerlo, te lo indicarán. Pasarás un buen rato, seguro. Digno de premio.
Enrique Jardiel Poncela(1901-1952), novelista y dramaturgo, se adscribe al grupo de los “humoristas de la otra generación del 27”, con personalidades tan destacadas como Miguel Mihura o Ramón Gómez de la Serna, entre otros. Todos ellos comparten la colaboración en las revistas de humor del momento, la relación con el mundo del cine en Estados Unidos y la asiduidad en las tertulias de los cafés madrileños. Jardiel Poncela cumple estas características: ya reconocido novelista de humor en los años 20; en los treinta colabora con su amigo Charles Chaplin y los estudios Fox; antes de la guerra y después de ella, escribe para revistas humorísticas (La Codorniz, por ejemplo, desde 1941). En la mayoría de sus comedias, entre las cuales destacan Los ladrones somos gente honrada, Madre (el drama padre) (ambas de 1941), o Las siete vidas del gato (1944), Jardiel Poncela utiliza tramas de carácter amoroso o sentimental en entornos de clase alta y con galanes aristocráticos. Suelen aparecer criados graciosos e impertinentes, y se dan casualidades, encuentros y sorpresas en las intrigas que propone. La influencia más destacada procede de la obra de Ramón Gómez de la Serna, creador de las “greguerías”, quien concibe la literatura como un juego liviano, original y provocativo. Jardiel hace suya esta visión del humor como ingrediente imprescindible para las composiciones artísticas y como una actitud nueva ante los avatares de la vida.
“Me río de todo, porque todo es risible. Me río de mí mismo, porque formo parte de ese todo. […] Mi posición es, pues,la de ayer, la de mañana, la de siempre: RISA FRENTE A LA VERDAD. ¿Que el fondo del corazón humano es negro ¡Risa! ¿Que no hay nada en el mundo, ni lo más puro, que no se doblegue al dinero? ¡Risa, risa! ¿Que todo está edificado sobre mentiras asquerosas y mantenido por injusticias eternas? ¿Que lo inmutable se ciñe sobre nuestros actos? ¿Que la mujer es…? ¿Que el hombre es…? ¡Risa, risa!” Pero… ¿hubo alguna vez once mil vírgenes?, “El humorismo, como toda planta ligera, tiene raíces profundas” Esa concepción impregnará su teatro a través de lo inverosímil y lo fantástico. Con su apuesta vanguardista y renovadora se opone a un teatro facilón y vulgar, que se basa en la repetición de una situación desorbitada y que abusa constantemente del chiste, del juego de palabras y de ciertos tópicos del humor regional.
En Eloísa está debajo de un almendro (1940) el argumento se organiza alrededor de la reconstrucción detectivesca de unos hechos (asesinatos) a partir de unos indicios que se van sembrando en el texto. Se trata de contestar a la pregunta ¿qué sucedió en la finca de los Ojeda hace más de veinte años?
Interesante extracto teatral del primer acto de la obra
Y tambíén podéis ver este power-point realizado por estudiantes de Bachillerato
Os adjunto páginas web sobre E. Jardiel Poncela y Eloísa está debajo de un almendro:
http://cvc.cervantes.es/actcult/jardiel/
Esta página web recoge informaciones sobre autores, obras y publicaciones relacionadas con los autores cómicos contemporáneos a Jardiel Poncela, como escritores que influyeron en el estilo humorístico de sus obras: Ramón Gómez de la Serna, entre otros.
Rosalía de Castro nació el 24 de febrero de 1837 en Santiago de Compostela. Su madre era de origen noble y su padre era sacerdote, siendo por ello “hija del pecado”. Por este motivo fue criada por sus tías paternas en un ambiente rural, donde entró en contacto con la llengua gallega, lengua no normativa aunque sí muy viva y expresiva. A los catorce años, su madre la reclamó y se trasladaron a vivir a Santiago. Rosalía nunca le reprochó a su madre el abandono ni le guardó rencor. En 1856 abandonó Galicia y se trasladó a Madrid, casándose un par de años más tarde con Manuel Murguía, intelectual de origen vasco. El matrimonio tuvo siete hijos, dos de los cuales murieron. Murió en 1885 a causa de un cáncer lentísimo, con cuarenta y ocho años. Mujer de fuerte temperamento, violento en ocasiones, mostraba resentimiento y odio contra quines la censuraban o contra todo aquello que consideraba injusto. Pero al mismo tiempo, era generosa y comprensiva, solidaria, especialmente con los más desfavorecidos, “los tristes”, y con las mujeres. A causa de su complicada vida, su obra estuvo marcada por la desolación, la amargura, el dolor, la tristeza y el pesimismo. Rosalía de Castro es una de las figuras capitales de la poesía contemporánea, creadora de una obra polifacética. Cultivó temas sociales, denunció las injusticias (pobreza, emigración, la subordinación de la mujer, etc.) y reivindicó la lengua y la cultura gallegas. Por su visión desolada de la vida y del mundo, se la considera precursora del existencialismo, y por sus innovaciones métricas, del Modernismo. Fue una poetisa adelantada a su tiempo, y toda su poesía estará siempre de actualidad, porque la injusticia, la infelicidad, el abandono de las mujeres, los amores desgraciados, el sufrimiento, la amargura, la soledad y la muerte son temas recurrentes de la vida y por ello mismo, atemporales.
Un enlace de interés, con las poesías de Rosalía de Castro es:
Como sabéis, el próximo día lunes 17 de Enero de 2011, realizaremos el control sobre la lectura de Nada, de Carmen Laforet. Os aconsejo que, además de leeros bien la novela, consultéis los enlaces web, los apuntes de clase e intentéis contestar a las preguntas que os formulo a continuación, puesto que algunas de ellas aparecerán en el examen. No es obligatorio presentármelas por escrito, ya que están pensadas para que os ayuden en vuestro estudio.
Preguntas generales
1) ¿Qué prestigioso premio obtuvo la novela Nada en 1945?
2) ¿Qué acogida tuvo Nada entre la crítica del momento?
3)¿Qué influencias literarias subyacen en Nada?
4) Nada es la primera novela española situada en el tiempo histórico de la……………………
5)¿Hay en Nada muchas alusiones al maco histórico? ¿por qué? Cita un par de ejemplos.
Preguntas específicas sobre la lectura
6) ¿En qué mes y qué año llega Andrea a Barcelona?
7) Explica el punto de vista narrativo de esta novela.
8) Comenta esta frase “de la casa de la calle de Aribau no me llevaba nada. Al menos así lo creía yo entonces”
9) ¿Dónde transcurre la infancia, la adolescencia y la madurez de Andrea?
10) Comenta la importancia de los espacios interiores y exteriores que aparecen en Nada, citando ejemplos.
11) ¿Cuál es el personaje que enlaza el espacio interior y exterior de la novela? ¿por qué?
12) Comenta la estructura que presenta Nada de acuerdo con los hechos más significativos.
13) La acción en esta novela se sustituye por una intriga central que mantiene el interés del lector gracias a una serie de técnicas narrativas destinadas a crear incertidumbre. ¿Cuáles son? Cita ejemplos.
14) ¿Por qué crees que Andrea es una “chica rara”? (rasgos de modernidad)
15)Define las características de los personajes siguientes: Román, Juan, Gloria, Angustias, Ena, madre de Ena.
16) ¿Cuáles son los tres modelos femeninos que aparecen en Nada? ¿Cuáles son sus contradicciones?
17) ¿Qué actitud tiene Andrea frente al amor?
18) Podemos afirmar que Nada destaca por su neutralidad política. ¿Por qué es así?
19) Comenta el estilo literario de la novela Nada en los diálogos, en los fragmentos narrativos, en las descripciones, etc.
20) ¿Qué recursos literarios sirven para dar el tono poético de esta novela? Pon ejemplos.
Por si alguien todavía no tiene la obra El burlador de Sevilla, os la adjunto completa en formato pdf para que podáis leerla tranquilamente durante estas largas y frías vacaciones navideñas. Ah, y Feliz Navidad a todos.
Estas vacaciones de Navidad os espera, como ya sabéis, la lectura de una interesante obra de teatro, El Burlador de Sevilla y el convidado de piedra, de Tirso de Molina (1615). Sería c0nveniente que antes de empezar la lectura, leyeseis esta introducción correspondiente a un trabajo universitario sobre el mito de Don Juan que hice el año pasado.
Los antecedentes. Las fuentes.
La figura del donjuan nació dentro de la literatura y a partir de aquí, se configuró el mito, contrariamente a lo que sucedió con otros mitos como Fausto, que acabaron siendo literaturitzados.El origen literario de este mito se debe a Gabriel Téllez, Tirso de Molina quien, en 1615, escribió El burlador de Sevilla y convidado de piedra. Con esta obra se introdujo el personaje de Don Juan dentro de la literatura universal, con algunas diferencias originadas en el sustrato folklórico de cada país respecto al tipo de libertino y al tema de la muerte. Tirso, desde un contexto de Contrarreforma situado entre el Renacimiento y el Barroco, escogió este tema que ya existía en el Renacimiento. El Humanismo es el escenario ideal para dar vida a un ser humano que goza egoistament sin ambages de todos los placeres de la vida (carpe diem), un “vitalista” total, aunque esta opción le suponga pagar el precio más elevado: su vida. La concepción teocentrista de Dios como eje del universo ha dado lugar a una visión antropocentrista, donde el Hombre lo es todo: eros y thánatos, alfa y omega. Espíritu y carne. Tempus fugit, la vida es breve y, por tanto, hace falta aprovecharla al máximo. Y del Barroco, Tirso extrae la ficción, la máscara, el engaño, la muerte, el desengaño barroco, todo mezclado con el divertimento amoroso. El Don Juan de Tirso de Molina cree que aunque él sea un pecador, el arrepentimiento final lo salvará porque él cree en Dios, pero la salvación final nunca llegará. Por este motivo, se ha calificado de “drama teológico”. Comparemos este donjuan con otras recreaciones-reescrituras del mito.
La Ópera de Don Giovanni de Mozart. Estrenada en 1787 en el Teatro Nacional de Praga
El libretista de esta ópera fue Lorenzo de Ponte, el cual se basó en El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina. La música de Mozart supo reflejar la esencia de mito y la supo transformar en una música representativa de la vida de Don Juan: fúnebre, frenética, lúdica y festiva, vitalista. El “quiere querer” pero no puede enamorarse, juega al amor sin escrúpulos, alegremente, pero es capaz de ser él mismo hasta el final, honrado y auténtico, querido y odiado, rebelde y autodestructivo pero nunca sumiso. Esta esencia no es la misma del Don Juan de Tirso de Molina, que es un “burlador” de Sevilla, ni la del Don Juan Tenorio de Zorrilla, que es un pecador arrepentido per amor a doña Inés que renuncia a su espíritu donjuanesco.
Personajes
Don Giovanni es irreflexivo pero no es maquiavélico. Se mueve por un instinto primario; es la suya una necesidad biológica, la de perpetuarse, diseminando su semilla, com hacen los animales (mille e tre). Y a pesar de ser el paradigma de la masculinidad, no culmina su seducción con algunas de sus conquistas, se queda a medio camino debido a su incapacidad sexual, hecho que ha dado lugar a estudios sobre la posible ambigüedad sexual de Don Juan (Don Juan, una vacilación de la naturaleza, de Jerónimo López Mozo). Todo lo que le rodea se impregna de sensualidad-sexualidad (festín culinario de tono obsceno, dobles intencions en el llenguatge, máscaras y suplantaciones, alcohol y baile). Este personaje, con su desmesura, perturba el orden del cosmos, y por ello debe ser castigado: con su muerte, se recupera el orden establecido, y su castigo es el infierno, justa pena cristiana por su falta de arrepentimiento. Tanto él como Fausto simbolizan la grandeza y la perdición, porque infringen las prohibiciones. Su historia se gesta a partir del sexo, el poder y la muerte. El Tenorio o burlador de Sevilla quiere “burlar” (seducir), engañar y superar a los maridos, prometidos, pretendientes y amantes. La satisfacción de superarlos es más fuerte que la de la posesión en sí misma. Son personajes faceciosos, fríos y reflexivos: maquiavélicos. El Don Giovanni de Mozart no se mueve con este objetivo; él busca sentirse vivo por miedo a la muerte. Es irreflexivo pero también noble y valiente, consecuente con sus actos e insumiso ante el poder y, por encima de todo, libre.
Leporello es el criado fiel que se mueve entre el odio y el amor a su amo. Queda seducido totalmente por su personalidad y, aunque le recrimina que engañe a las mujeres, lo protege de la muerte. El personaje del Catalinón de Tirso no le acompaña por fidelidad, ni por dinero, es una especie de vínculo diabólico lo que los une; hasta el punto de la usurpación con Donna Elvira.
El Commendatore está dispuesto a morir por su hija, y su muerte a mano de Don Giovanni la hace más dramática porque es un hombre mayor, al contrario del protagonista, un joven exultante de vida. Después de su muerte, el Commendatore vuelve a aparecer como un espectro, y sentimos su voz como el presagio de muerte de Don Juan.
Don Ottavio es el prometido de Donna Anna, juntos encontrarán al asesino y lo desenmascararán. Es un personaje ambivalente; del ridículo pasa al deseo de compasión porque sus intenciones son sinceras, es un enamorado que se lamenta.
Donna Ana tiene una gran fuerza dramática, como Elvira. Elvira es humillada por Don Giovanni y Leporello y Ana es dramática porque su tragedia es doble: su deshonra y la muerte del padre. A partir de su muerte, nada la consuela. Es un personaje incorporado en esta versión.
Donna Elvira transita entre la ira y el amor; mantiene una dignidad a pesar de los menosprecios y las bromas de mal gusto (la suplantación de Don Giovanni por parte de Leporello). Ella está enamorada de Don Juan con pasión. Tan pronto lo adora como lo odia; es la donna abbandonata, arquetipo universal de las mujeres que aman sin ser amadas pero que no pueden vivir sin esta condición de esclavas maltratadas por el amor idealitzado de aquél a quien adoran. Es, además, buena (intenta protegir Donna Anna y Zerlina sobre el peligro que corren con Don Giovanni).
Zerlinaes la dama más fresca y sensual de las mujeres, por el hecho de ser campesina de clase humilde. Pícara, picante, desvergonzada. La conoce el día de su b0da y el hecho de poder gozar de ella antes que su marido es el leit-motiv de Don Giovanni.
Masseto prometido de Zerlina, desde el primer momento desconfía de Don Giovanni porque conoce las debilidades de su esposa, quien se muestra arrepentida para poder recuperar a su marido. Ella es voluble y voluptuosa.
El Don Juan Tenorio de Zorrilla de 1844
La principal diferencia entre el Don Juan de Tirso y el de Zorilla es que en el segundo, Don Juan encuentra la salvación en el amor de Doña Inés cuando le pide perdón. Se arrepiente, pues, de sus pecados. Esta redención concilia la religión y la imagen romántica del héroe seductor y arrogante, porque en la España Cristiana los héroes reflejan los valores de la Iglesia Católica. Este Don Juan es impaciente, insumiso, arrogante y temerario pero gracias al enamoramiento cambiará totalmente, tendrá remordimientos y se arrepentirá, diferencia principal con el mito de Tirso y Don Giovanni, que son personatges consecuentes con sus actos, nunca se arrepentirán. El burlador de Sevilla, transgresor, insolente, hedonista y libre totalmente, acaba devorado por el fuego del infierno por no querer arrepentirse y el Don Juan de Zorrilla, acaba con su amada en el cielo; es la reconciliación con Dios.
Cómo evoluciona el mito
El Don Juan de Tirso de Molina tenía como objetivo: advertir sobre los riesgos del ateísmo. Este mito fascinó a Europa durante siglos, y el ejemplo lo tenemos en la gran cantidad de secuelas basadas en este personaje: cuentos, poemas épicos, óperas, ballets, campo abonado para artistas com Molière, Goldoni, Corneille, E.T.A. Hoffman y otros. Como en todas las reescrituras, cada nueva versión del mito fue introduciendo nuevos personajes, episodios y subtextos, y en cada una, cambia la personalidad y motivación de Don Juan.
Un claro ejemplo de este hecho es que entre la primera representación de El burlador de Sevilla, de Tirso, y el estreno de Don Giovanni, de Mozart, la historia de Don Juan ya había sufrido cambios. El héroe de Tirso era barroco, rebelde y desmesurado, impulsivo y audaz. Pero con la difusión del mito, el personaje fue perdiendo algunas de sus características. En Italia, la historia adaptada por la Commedia dell’arte se transformó en un teatro improvisado, de tipo cómico y hasta grotesco, con la incorporación de máscaras y disfraces. Don Juan pasó a ser frívolo, embaucador y superficial, ya que sólo buscaba su satisfacción sexual, era un hedonista. Molière utilizó este modelo para su versión de Don Juan, ou le festin de pierre (1665), donde el mito es un personaje ocioso, gandul, obsesionado por la belleza y por el placer, y que se burla de Dios.
En Inglaterra, este personatge se transformó en un libertino (Shadwell, 1676), que s’autojustifica a través de su naturaleza criminal. La filosofía es que lo que es natural no es malo, a pesar de los treinta crímenes.
Da Ponte (1787) aprovechó este caudal interpretativo y añadió nuevos personajes a la historia, Donna Anna, fuerte y osada, con una extraordinaria personalidad que dejará huella en autores posteriores, especialmente en los románticos.
Posteriormente, E.T.A. Hofman creó un Don Juan romántico e idealista, frustrado por la búsqueda de un amor imposible. Un amor sólo funciona si es verdadero. Otros autores lo consideraron sólo un amante irresistible. En conclusión, las mejores versiones sobre Don Juan, a mi entender, son las de Mozart y Da Ponte, porque exponen el mito en toda su extensión sentimental y en todos sus matices de significación.
Después de leer este primer acercamiento a la obra de Tirso y al mito de Don Juan, podéis consultar esta útil guía de lectura:
Òmniu Cultural clou la 60ª nit de Santa Llúcia, Festa de les Lletres Catalanes, celebrada a Viladecans, on han resultat guardonats, entre d’altres, Ramon Solsona (premi Sant Jordi de novel·la); Alba Dedeu (Premi Mercè Rodoreda de contes i narracions); Ma. Rosa Font (Premi Carles Riba de poesia). Un cop lliurats tots els guardons, la presidenta d’Òmnium, Muriel Casals, ha fet referència als recentment traspassats Joan Solà i Joan Triadú (“dos homes clau per al país”), cosa que ha fet arrencar un fort aplaudiment del públic. La presidenta d’Òmnium ha acabat el seu parlament assegurant que “Òmnium seguirà treballant per un país activat, fort i madur: un país combatiu”.
La Presidenta del Parlament, Núria de Gispert, ha tancat el torn de paraules felicitant els organitzadors de l’acte i els guardonats. “Aquest és el meu primer acte oficial com a presidenta del Parlament, i no podia començar amb res millor. Moltes, moltes gràcies”, ha dit de Gispert, que ha assegurat que “hem d’aixecar el país entre tots” i que “ens cal recuperar el prestigi i l’autoestima que tenia”. De Gispert també ha felicitat Òmnium pel seu 50è aniversari, que l’entitat enceta simbòlicament avui. Durant tot aquest 2011 tindran lloc diversos actes de celebració.
Des d’aquest bloc, felicito efusivament tant Ramon Solsona, que va ser el meu professor de català a l’IES Bernat Metge de Barcelona, a finals dels anys vuitanta, com a la professora de català de l’IES Santiago Sobrequés de Girona, Maria Rosa Font, empordanesa molt coneguda i reconeguda tant en l’àmbit acadèmic com en el món de les lletres de Girona. I a la resta de guardonats, que personalment no conec, també vull felicitar-los, com no .
APROBADOS LOS CAMBIOS DEFINITIVOS DE LA NUEVA ORTOGRAFÍA
La nueva edición de la Ortografía, elaborada por las veintidós Academias de la Lengua, propone una serie de cambios que comunicó la Real Academia Española el viernes 5 de noviembre. Dichos cambios han sido ratificados y aprobados en Guadalajara (México) el día 28 de noviembre de 2010.
Salvador Gutiérrez, director de esta gran obra, afirma que lo que han preparado las Academias es una edición “amplia, razonada y explícita” de la Ortografía (tendrá más de 800 páginas), y será una obra “sumamente clara, es decir, que pueda leerla una persona que tenga una formación de bachillerato”.En la nueva edición, que la editorial Espasa publicará antes de Navidad en todos los países de habla hispana, veremos:
1) Guion y truhan pierden la tilde: esta palabra no debía llevar tilde desde hace tiempo ya que es diptongo, y por tanto, un monosílabo. Como Dios, fie, riais, Sion.
2) O sin acento entre números: ya ningún monosílabo debía acentuarse, exceptuando aquellos que tienen doble acepción como Té. La excepción de acentuar “o” entre números era para evitar su parecido a un cero cuando se situaba entre números. 5 ó 6.
3) Sobre el polémico cambio de denominación de las letras “y griega” como “ye” en España, y en América “be alta” y “be baja o corta” comobe y a la uve respectivamente, los responsables de la nueva Ortografía se han mostrado permisivos, de manera que podrán convivir indistintamente estas denominaciones.
4) Solo sin acento: sólo debía llevar tilde como adverbio (sólo como sinónimo de únicamente), para diferenciarlo del adjetivo (solo como sinónimo de solitario). Pero -según la RAE- son pocos los casos en los que se genera confusión ya que, según ellos, el contexto definiría el uso. Pero hay ambigüedades “voy solo al cine”, “te veo solo cuando caminas”, “Iré solo a casa”. La solución sería poner coma después de solo. Finalmente no se condena la tilde distintiva pero se recomiendo ponerla.
5) El prefijo “ex” se escribirá unido a la base léxica si afecta a una sola palabra: “exmarido”, “exministro”, “exdirector” y continuará escribiéndose separado cuando preceda a palabras compuestas: “ex capitán general”.
6) Qatar, quásar, quórum) representaba “una incongruencia con las reglas”. Para evitarla han decidido escribirlas con “c” o con “k”, según los casos: Irak, Catar, cuásar cuórum. Quienes prefieran la grafía originaria, tendrán que hacerlo como si fueran extranjerismos crudos y escribirlas en cursiva y sin tilde.
7) Sobre la propuesta de eliminar la tilde de los pronombres demostrativos: éste, ése, aquél, etc, la nueva Ortografía la permitirá, como sucede en el caso de sólo-solo, pero recomienda ponerla.
8) El abecedario español está hoy formado por las veintinueve letras siguientes: a, b, c, ch, d, e, f, g, h, i, j, k, l, ll, m, n, ñ, o, p, q, r, s, t, u, v, w, x, y, z. No obstante, en el X Congreso de la Asociación de Academias de la Lengua Española, celebrado en 1994, se acordó adoptar el orden alfabético latino universal, en el que la ch y la ll no se consideran letras independientes, por tanto hay veintisiete en total.
En conclusión, la nueva Ortografía pretende “uniformar, no imponer, no condenar, sino recomendar”. En los casos más polémicos regirá el uso de la costumbre
En Marzo de 1966 Carmen Sotillo, a los 44 años, acaba de perder a su marido Mario de forma inesperada. Una vez que las visitas y la familia se han retirado, ella sola vela durante la última noche el cadáver de su marido e inicia con él un monólogo-diálogo en el que descubrimos sus personalidades y los conflictos de su matrimonio.
