EL CONCEPTE D’ART. Quan un objecte és una obra d’art i quan no?
QUÈ D’HA DIT DE L’ART: HISTÒRIA D’UN CONCEPTE
L’estètica és reflexió sobre l’objecte artístic, per la qual cosa allò que ha de fer primerament és aclarir quins punts essencials determinen la identitat de l’obra d’art. No és gens fàcil ni es posa tothom d’acord a l’hora de definir-lo. Però tenim una intuïció prèvia a la seva definició.
“En muchas producciones, no sólo de la naturaleza, mas aun del arte, encuentran los hombres, fuera de aquellas perfecciones sujetas a su comprensión, otro género de primor misterioso, que cuanto lisonjea el gusto, atormenta el entendimiento; que palpa el sentido, y no puede descifrar la razón; y así, al querer explicarle, no encontrando voces ni conceptos que satisfagan la idea, se dejan caer desalentados en el rudo informe de que tal cosa tiene un no sé qué, que agrada, que enamora, que hechiza, y no hay que pedirles revelación más clara de este natural misterio.
Entran en un edificio que, al primer golpe que da en la vista, los llena de gusto y admiración. Repasándole luego con un atento examen, no hallan, que ni por su grandeza, ni por la copia de luz, ni por la preciosidad del material, ni por la exacta observancia de las reglas de arquitectura, exceda, ni aun acaso iguale, a otros que han visto, sin tener qué gustar o qué admirar en ellos. Si les preguntan ¿qué hallan de exquisito o primoroso en éste? responden, que tiene un no sé qué, que embelesa.”
Ens deia Feijoo al s. XVIII a la seva obra Teatro crítico universal, Tomo IV
http://www.ensayistas.org/antologia/XVIII/feijoo/
Però a l’actualitat la diferència és menys perceptible, fixem-nos-hi:
Fins i tot alguns filòsofs s’han pronunciat per la impossibilitat d’arribar a una definició coherent del que pot ser art. Des de l’art pop, sobretot, podem trobar l’esforç per esborrar les diferències entre l’art i no art. L’art contemporani ofereix multiplicitat de lectures. En canvi, en les antigues concepcions de l’art es posa èmfasi especial en la nota de “definitud”. L’artista estructurava de tal manera la seva obra d’art que només tenia cabuda una resposta unívoca.
http://www.ugr.es/~inveliteraria/PDF/Kant.pdf
ANTIGUITAT I EDAT MITJANA: techné grega, ars romana es refereixen a l’activitat pràctica, fruit d’una tècnica o saber fer. No obstant això, es copsà una nota misteriosa, no racional, que s’explicava per la intervenció directa de poders sobrenaturals.
No es valora encara la creativitat, però era un concepte molt ampli.
Es van distingir entre les arts servils i les lliberals, les primeres pròpies dels esclaus eren les mecàniques i les manuals que satisfeien les necessitats bàsiques, mentre que les lliberals es relacionaven amb les activitats naturals dels ciutadans lliures. A l’EM es distingeixen set arts lliberals, no hi trobem incloses ni la pintura ni l’escultura, tampoc són dins les set mecàniques, per no considerar-les prou importants encara que ho eren.
TEMPS MODERNS: TRANSFORMACIÓ en separar les belles arts dels oficis. La situació social afavorí el canvi i la consideració de la bellesa. Més difícil fou separar les arts de les ciències.
Al XVIII: La bellesa és el propòsit conscient de l’art. Serveix per a l’art clàssic, però no té en compte la lluita gòtica pel sublim, ni la recerca de la lletjor. Les arts es divideixen en mecàniques i belles.
Després es van tenir més en compte els aspectes subjectius. El subjectivisme transcendental de Kant nega la utilitat i la representativitat de l’art. Dóna pas al romanticisme.
XIX: Hegel incorpora la idea que l’obra d’art pressuposa el do del geni -únic i insubstituïble- i una tècnica que no s’inventa, sinó que s’adquireix.
Es tracta d’un geni creador.
En teoria de l’art, el formalisme és el corrent que determina el valor artístic de les obres d’art exclusivament pel seu aspecte estètic visual, els materials i el llenguatge visual emprat. El formalisme emfatitza els elements de la composició com el color, la línia, la forma i la textura en comptes del realisme, el context i el contingut.
En les arts visuals, el formalisme és la creença que tot allò necessari en una obra d’art és contingut dins d’ella. Segons el formalisme, són aspectes d’importància secundària el context en què es va gestar, la raó per a la seva creació, els antecedents històrics i la vida de l’artista. El formalisme va dominar l’art des de finals del segle XIX fins als 1960s.
Per a Panofsky la Història de l’Art és una ciència on es defineixen tres moments inseparables de l’acte interpretatiu de les obres en la seva totalitat: la lectura del sentit fenomènic de la imatge; la interpretació del seu significat iconogràfic; i la penetració del seu contingut essencial com a expressió de valors.
Per a Umberto Eco, l’obra d’art és oberta, l’espectador la finalitza, subjectivament. És una forma de distingir-la del producte artesà.
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Fragment de La Poètica d’Aristòtil:
“Es evidente que el origen general de la poesía se debió (5) a dos causas; cada una de ellas parte de la naturaleza humana. La imitación es natural para el hombre desde la infancia, y esta es una de sus ventajas sobre los animales inferiores, pues él es una de las criaturas más imitadoras del mundo, y aprende desde el comienzo por imitación. Y es asimismo natural para todos regocijarse en tareas de imitación. La verdad de este segundo punto se muestra por (10) la experiencia; aunque los objetos mismos resulten penosos de ver nos deleitamos en contemplar en el arte las representaciones más realistas de ellos, las formas, por ejemplo, de los animales más repulsivos y los cuerpos muertos.
La explicación se encuentra en un hecho concreto: aprender algo es el mayor de los placeres no sólo para el filósofo, sino también para el resto (15) de la humanidad, por pequeña que sea su aptitud para ello; la razón del deleite que produce observar un cuadro es que al mismo tiempo se aprende, se reúne el sentido de las cosas, es decir, que el hombre es de este o aquel modo; pues si no hubiéramos visto el objeto antes, el propio placer no radicaría en el cuadro como una imitación de éste, sino que se debería a la ejecución o al colorido (20) o a alguna causa semejante. La imitación, entonces, por se
rnos natural (como también el sentido de la armonía y el ritmo, los metros que son por cierto especies de ritmos) a través de su original aptitud, y mediante una serie de mejoramien tos graduales en su mayor parte sobre susprimeros esfuerzos, crearon la poesía a partir de sus improvisaciones. “
“La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio),«arte es vida,vida es arte» (Wolf Vostell). El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte sólo se consideraban las artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.”
Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster
Renaixement: Alberti Los tres libros de la pintura
“.Pero para formar un Pintor perfecto de modo que llegue á merecer los elogios que hemos referido, faltan aun varías cosas que decir, las cuales no debo omitir en ninguna manera, aunque seré lo más breve que me sea posible. El oficio del Pintor es dibujar y dar el colorido A cualquier cosa que le presenten con líneas y colores en una superficie plana, de modo que con un determinado intervalo, y cierta colocación del rayo céntrico parezcan las cosas pintadas como si fuesen corpóreas, y totalmente semejantes á las verdaderas. El fin del Pintor debe ser adquirir fama, gusto y crédito con sus obras, mas bien que riquezas; lo cual lo conseguirá siempre que sus pinturas detengan y deleiten la vista y el ánimo de los que las miren. El modo de llegar á alcanzar esto ya se dijo cuando se trató de la composición y del clarooscuro; pero además de esto quisiera yo que el Pintor fuera hombre de bondad, instruido en las ciencias, para que pudiera mejor hacerse cargo de todo lo que hemos dicho. La bondad y agrado tiene mas fuerza para captarse la benevolencia general que lo maravilloso de la industria ó del arte. Además es cosa sabida que la benevolencia coadyuva mucho para que un artífice adquiera estimación y bienes; pues de esta benevolencia se origina que los poderosos le dan que hacer, teniendo mucho mas gusto en que se le proporcione una ganancia al que es modesto y de suaves modales, que no al soberbio y altanero, aunque tal vez tenga mas habilidad. Siendo esto así deberá tener el Pintor sumo cuidado en su modo de portarse y en sus modales, mostrando siempre afabilidad y agrado, para que por estos medios pueda atraerse la benevolencia de todos, único y fijo asilo contra la pobreza, y también la ganancia, auxilio excelente para la mayor perfección de una obra. He dicho que quisiera estuviese el Pintor instruido en las ciencias; pero principalmente la Geometría debe ser su mayor estudio. Muy bien decía Pánfilo, antiquísimo y excelente Pintor, primer Muestro de jóvenes nobles en esta arte, cuando decía que nadie podía ser buen Pintor sin saber Geometría. Y en efecto los primeros rudimentos en que estriba toda el arte de la Pintura los comprende con facilidad el Geómetra; mas el que no tiene alguna tintura de esta ciencia no es posible que se haga cargo de ellos bien, ni que llegue a entender ninguna de las principales reglas de la Pintura.”
http://www.historia-del-arte-erotico.com/leon_battista_alberti/index.htm
“Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas: decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni Dios ni el hombre–, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración” diu Tatarkiewicz.
“La
Crítica del judici (1790) és una obra de Kant que complementa a les anteriors
Crítica de la raó pura i
Crítica de la raó pràctica per establir els límits i condicions del coneixement humà. El llibre aborda dos tipus de judicis: els referits a l’estètica i els teleològics. Ambdós tenen un component intrínsecament valoratiu, a diferència de les operacions mentals de les altres crítiques.
Kant afirma que els judicis poden ser determinatius o reflexius, que són dels que tracta l’obra. Un judici reflexiu sosté que quelcom és agradable, bell, sublim, bo o bé els seus contraris. Quelcom és agradable quan proporciona plaer als sentits. La bellesa sorgeix quan un objecte assoleix la forma més perfecta segons la seva finalitat i tot i ser quelcom subjectiu, cada persona creu que el seu criteri estètic hauria d’imposar-se a la resta, ja que té la força del convenciment. Prové dels sentits però introdueix la raó, que compara la forma oferta amb l’ideal. El sublim és tot el que s’escapa a la comprensió i aporta emocions extremes, d’admiració o terror. El bé, com a qualitat moral, és absolut: hi ha coses i accions bones i d’altres que no ho són, i depenen dels criteris de l’ètica deontològica (és bo el que s’adequa al deure individual, sense tenir cap relació amb una possible recompensa o sensació positiva en acomplir-ho).
Posteriorment afirma que cada ésser i cos a la natura tendeix a una finalitat, seguint les teories d’Aristòtil. Hi ha persones, els genis, que tenen com a fi elaborar obres belles i sublims que condensin la perfecció artística gràcies a la suma del seu enteniment i la imaginació. Aquesta teoria, juntament amb la idea del sublim, serà uns dels eixos de la teoria estètica del romanticisme posterior i s’allunyen de l’ideal racionalista propi de la il·lustració de la resta del pensament kantià.”
“El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de Bergson, la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, etc. Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, ya que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos”
http://ca.wikipedia.org/wiki/Erwin_PanofskyESTRADA, David:
Estética Ed. Herder, Barcelona, 1988TATARKIEWICZ, W.:
Historia de seis ideas: Arte, belleza, forma, creatividad, mímesis, experiencia estética. Ed. Tecnos. Col Metropolis, Madrid 1992.
http://www.lletres.udl.es/export/sites/FLL/Programes_assignatures_2013-2014/Historia_Art/Teoria_de_lxart_i_histxria_de_les_idees_estxtiques.pdf
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