Arxiu de la categoria: ARTE

¿Que es la Sagrada Famíia? Aaron Murugó E-43

La Sagrada Familia se construyó en 1882 por Antoni Gaudí aunque todavia esté en construcción. Es la obra maestra de gaudí y de la arquitectura modernista catalana. Forma parte de una de los monumentos mas visitados de españa y la segunda iglesia mas visitada de toda europa. Durante la vida de gaudí tuvo muchos proyectos pero durante sus ultimos años de vida le dedicó 15 a este proyecto.

Durante la Guerra Civil Española quedó destruido en su mayor parte el taller en el que Gaudí había trabajado, y donde se encontraban sus esbozos, maquetas y modelos. Por esta causa y por la particular manera de trabajar Gaudí, no quedaron planos ni directrices acerca de cómo debía terminarse el templo. Por ello, cuando en 1940 se reemprendió la construcción de la Sagrada Familia, tuvo que definirse en primer lugar cómo debía procederse, para edificar el templo de la forma más fiel a las ideas de Gaudí. Al frente de esta gigantesca tarea están los arquitectos Francesc Quintana, Puig Boada y Lluis Bonet Garí, mientras que de la obra escultórica se encarga J. Busquets. Posteriormente, cuando se construyó la fachada de la Pasión, el conjunto principal de las figuras escultóricas les fueron encargadas a Josep María Subirachs. Las obras de este último han originado cierta polémica, debido a que ha creado esculturas totalmente contemporáneas alejadas del estilo realista que Gaudí incluyó en la fachada del Nacimiento.

Actualmente hay ocho torres construidas, las correspondientes a las fachadas del Nacimiento y de la Pasión. El proyecto tendrá un total de 18 torres. Las 12 más bajas, entre las que se encuentran las ocho ya construidas, corresponden a las tres fachadas, y están dedicadas a los apóstoles. Cuatro, de superior altura, a los Evangelistas. Sobre el ábside, de mayor diámetro, a la Virgen María y la más alta que remata todo el templo, estará dedicada a Jesucristo. El proyecto tendrá un total de tres fachadas: la del Nacimiento, La Pasión y la Fachada de la Gloria.

El criptograma de la Fachada de la Pasión es uno de los motivos más populares. Se trata de un enigmático cuadrado con 16 cifras que permiten hacer 310 combinaciones diferentes sumando siempre 33: la edad de Cristo en el momento de su muerte.

Se espera que su construcción finalice en 2026, pero con los avances técnicos modernos y el creciente número de donaciones, se cree que se podría terminar antes de dicho año.

El boom hispanoamericano por Anna González E-41

Durante este último mes en la clase de castellano nos tocó hacer a diferentes grupos de la clase trabajos sobre la literatura española. Entonces a mi y a mi grupo nos tocó la literatura hispanoamericana del siglo XX, y ahí descubrí el boom hispanoamericano. Me di cuenta que fue bastante importante y que de ahí salieron muchos autores importantes como  Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, Julio Cortázar y Carlos Fuentes , entre otros. Por lo tanto ya que he aprendido algunas cosas sobre este tema buscando información, he decidido enseñaros lo que me ha parecido más interesante sobre este acontecimiento, además de explicároslo un poco de manera resumida.

A mi lo que más me sorprendió fue sobre todo las dos tendencias que hubieron durante el “Boom” que fueron el realismo mágico y el Experimentalismo neovanguardista que más abajo podréis leer que son y en que se basan.

Aunque hay cierto desacuerdo de cuando empezó el “Boom”, la mayoría de los críticos coinciden en que cerca de la década de 1960. Este acontecimiento aunque fuese principalmente en latinoamerica ,ya que los autores habían nacido ahí, tuvo un alcance mundial e hizo que muchos autores se situaran el la literatura universal. A los autores de este movimiento se les solía ver como un bloque homogéneo y con carácter innovador. Dentro del “boom” se podían destacar sobre todo dos tendencias:

-El realismo mágicio:Que era una preocupación estilística que quería tenia interés en mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. su finalidad no es hacer sentir las emociones sino expresarlas,con actitud frente a la realidad.

-Experimentalismo neovanguardista: Esta tendencia trataba lo anecdótico y argumentativo. En ella cabe todo lo popular, lo folclórico, los refranes y la literatura coloquial. Y se basaba en un lenguaje casi existencial donde la personalidad del poeta trasciende al poema en el poema y se instaura el acto contestatario y rebelde; y en el que  el lenguaje poético es más sencillo y donde el uso de las figuras poéticas es más mesurado, pues las vanguardias habían “sobreabundado” en ellas. Por lo que los poemas, y en general, los textos literarios que producen, tiene elevados contenidos históricos sociales.

Además, generalmente los poemas solían ser escritos con voz narrativa.

Cuadro de ÚBEDA – MUJER ESPAÑOLA – KAREN MOSQUERA

MUSEO DEL PRADO
Vázquez Úbeda, Carlos es un pintor español del siglo XIX. Sus composiciones al oleo se destacan en representaciones pictóricas hispanas. Además se lo conoce como precursor en España en realización de postales artísticas, colección que tiene participe a finales del siglo XIX y principios del XX. Sobre 1910, dirigió su talento hacia la pintura regionalista, la que él mismo definió como es la “Mujer Española”, su obra alterna la pintura etnográfica y la figura de la mujer en sí. La obra que se encuentra representada a continuación se titula: Regalo de Boda. y la eh escogido porque representa una escena cotidiana, donde nuevamente el autor coge como punto central a la mujer. Vemos que los dos personajes son representados en una habitación hablando, a él no se le ve el rostro, pero capta toda su atención a lo que sería su mujer; en cambio ella luce sonriente, y tiene una mirada que va dirigida a lo quesería su esposo , ella se encuentra en segundo plano, pero no por estar en segundo plano deja de ser el punto de interés dentro de la obra. Ella se ubica como punto de interés al llevar su atuendo sevillano tan llamativo, que a su vez contrasta con su piel clara.
 

Miguel Àngel por BAUTISTA MARTÍNEZ Y EMILIO PORCEL E31

Michelangelo Buonarroti , va ser una persona molt important si parlem d’artistes ja que va fer coses alucinant, l’altre dia en clase vam començar a veure una película molt interesant , “El tormento y el extasis”, es una pelicula curiosa , ja que comença amb un documental que parla de la vida de Miguel Àngel , nomes vam veure uns 20 minuts ,i en aquest temps en va donar temps a extreure infinitat d’informació.

Miguel Àngel es actualment conegut per tomes les seves escultures i les seves creacions. Va viure 88 anys , i en aquest temps va fer un munt de coses com per exemple la Capilla Sixtina, va esculpir la “Piedad del vaticano” als 23 anys , l’escultura en relleu de marmol Tondo pitti…

Tambe va disenyar “La tumba de los Medici”,  on hi són 40 escultures , en la pelicula es pot apreciar com Miguel Àngel començar a esculpir les escultures. Actualment es troba en el museu del Hermitatge en San Petesburgo.

Miguel Àngel

2016-02-11

 

Análisis de un cuadro de Doña Juana La Loca, por Valentina Roman y Victoria Gil B21

Doña Juana La Loca

Suceso retratado en el cuadro:

Cuando nada más tenía 17 años Juana de Castilla (Juana la loca), hija de los Reyes Católicos, se casó  con Felipe el Hermoso. Al parecer Felipe era un buen chico, y Juana no tardo en enarmonarse de él. Sin embargo, Felipe tenía un pequeño vicio: cada dos por tres se iba con una mujer, dejando a su señora en casa, con los niños, embarazada y muerta de celos.

En 1506, Felipe y Juana se convirtieron en reyes de Castilla y unos meses más tarde él falleció en extrañas circunstancias (hay quien dice que fue envenenado). A partir de ese momento, la reina empezó a desvariar. Ordenó que desenterrasen el cadáver de su esposo de la Cartuja de Miraflores (Burgos) para trasladarlo a la Capilla Real de Granada y cumplir así con sus últimas voluntades. Acompañada de su comitiva, Juana inició un viaje de ocho meses por Castilla acompañando el féretro de su marido, en pleno invierno y embarazada de la que sería su última hija, Catalina.

Les obligaba a viajar de noche y descansar durante el día, aparcando el ataúd en la iglesia que tuviesen más a mano. En una de esas paradas, la comitiva decidió descansar en el monasterio de Santa María de Escobar, pero cuando la reina se enteró de que era un convento de monjas, montó en cólera y les hizo sacar el féretro de allí ya que no soportaba que ninguna mujer se acercase a su marido, ni vivo, ni muerto. Ese día, los sufridos cortesanos no tuvieron más remedio que acampar fuera. Y esa es precisamente la escena que pinta Pradilla en este impresionante cuadro. La reina ha hecho parar a la enorme comitiva a las afueras del monasterio para rezar ante los restos su marido.

Descripción del Cuadro:

En esta obra de Francisco Pardilla fue pintado en el año 1877 con un estilo Romántico y la técnica de oleo sobre lienzo. Este cuadro tiene una dimensiones de 340 x 500 cm y se localiza en el mueso del Prado en Madrid.

Sin duda es la obra maestra de Francisco Pardilla, la pinto a sus veintinueve años en Roma des de donde la envió a España. En poco tiempo el cuadro consiguió una gran fama por esta razón muchos pintores hicieron copias oleo-gráficas de este cuadro.

En el cuadro como ya hemos visto antes se retrata Juana la loca junto al ataúd de su marido fallecido Felipe el hermoso, alrededor de ellos se puede observar que hay más personas las cuales le están ofreciendo culto a Felipe, los que se sitúan a la derecha son los  miembros de la corte que acompañan a Juana en su viaje, reflejando en sus rostros el abatimiento, la compasión hacia la reina, también se puede ver que hay una hoguera que se está apagando y que se encuentran en un campo des del cual al fondo se puede observar el monasterio antes nombrado.

Generalmente el pintor utiliza colores oscuros y representa la cara de los presentes acorde con la situación que estaban viviendo.

LA RENDICIÓN DE BAILÉN de José CASADO DEL ALISAL, por DANA MARIA HURGOI B-21

Este cuadro fue pintado por Casado del Alisal en el año 1864, está pintado al óleo sobre un lienzo que mide 338x500cm.

En este cuadro podemos observar la capitulación del ejército francés ante las tropas españolas. A la izquierda observamos al capitán general de Andalucía y jefe de las tropas españolas, Francisco Javier Castaños, y a la izquierda al general Pierre-Antonie Dupont de l’Étang que fue el jefe del Cuerpo de Observación de la Gironada. Observamos al general Castaño al frente de las tropas españolas saludando a los ejércitos franceses, y a Dupont le vemos con los brazos abiertos en señal de rendición. Podemos observar que el cuadro nos recuerda al cuadro que pintó Velázquez, Las Lanzas.

Los colores que utilizó Casado para pintar los ejércitos franceses son más cálidos que los colores que utilizó para pintar a las tropas españolas, podemos ver que los personajes que aparecen tienen distintas expresiones y gestos, esto hace que parezca una puesta en escena muy natural.

He escogido este cuadro porque me parce muy interesante ya que tiene bastantes detalles y utiliza distintos colores que es una de las cosas que más me ha llamado la atención. También me parece interesante porque es uno de los pocos cuadros que nos muestran un pacto, ya que casi todos los demás cuadros de la época nos muestran la desgracia del pueblo, las guerras y retratos de reyes o personas que tenían un puesto importante en la burguesía de esos tiempos.

La Marseillaise (Victoria Gil Ráfales) B21

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Esta obra fue creada por François Rude, conocida como la Partida de los Voluntarios de 1792 o también llamada La Marseillaise”, que fue construida entre 1832-1836. Tiene un altorelieve del Arco de triunfo situado en la plaza de l’Étoile en París. Es de estilo romántico. En esta obra utiliza el movimiento del romanticismo, ya que representa el entusiasmo por la libertad, de las emociones, la espontaneidad e incluso la brutalidad. Y por otra parte también utiliza la teatralidad neoclasicismo ya que se puede observar unas poses exageradas y la idea de sacrificio por la nación.

El planteamiento que tiene este relieve, es el momento en que la legitimidad del poder constitucional surgido en la revolución de 1830.  La composición de esta obra tiene un carácter de grandeza  y está dividida en dos registros superpuestos: en la parte inferior donde sitúa el pueblo, heroico, con clara voluntad de lucha, y la parte superior  donde podemos observar una alegoría femenina alada sobre un fondo de tela.

La mujer, se le puede considerar como una representación del genio de la guerra, tiene la boca abierta, en una clara alusión a la llamada a las armas al pueblo. También se ve que hay unos soldados desnudos y otros con armadura para hacer el combate por el ideal.

 

 

 

 

Retrato de Alfonso XII | Sergio Ornaque

Retrato de Alfonso XII con diecisiete años (Banco de España, Madrid, 1874)

Autor: Carlos Luis de Ribera y Fieve

Este es un retrato de Alfonso XII pintado por Carlos Luis de Ribera y Fieve, un autor español que vivió desde el año 1815 hasta el año 1891.

He decidido escoger este cuadro por que es un cuadro lleno de símbolos relacionados con la monarquía del siglo XIX. Por un lado, podemos observar que Alfonso XII está vestido con un traje de capitán general del ejército español, lo que nos indica que tenía la intención de ser retratado como rey de España y no como un habitante más de España.

Por otro lado, me ha sorprendido que le podemos ver con  muchas condecoraciones que suelen hacer referencia a éxitos militares, cosa que es extraña debido a su corta edad.

De fondo, podemos ver una corona, la corona es un símbolo que hace referencia al poder del monarca y a su autoridad como máximo líder del poder ejecutivo español.

Finalmente, he observado que el autor ha tratado de hacer un gran contraste de colores entre el vestido negro del monarca  y el fondo en el cual predomina un color rojizo, seguramente se ha hecho para resaltar la figura del rey.

El Guernica de Picasso (1937) por María Eugenia Díaz

Cuadro de Pablo Picasso en el 1937 expuesto en el Museo Reina Sofía, el título alude al bombardeo de Guernica (País Vasco) del 26 de abril de ese año en la República española, en plena guerra civil. Esta guerra fue muy pronunciada por la brutalidad de la acción, violencia y crueldad.

Guernica fue bombardeada durante más de tres horas por la aviación alemana. Hitler, aliado del general Franco en la guerra civil española, quería propagar el miedo a la población y así facilitar la toma del país vasco. Se calcula que murieron más de 1.600 personas. En el extranjero, retiran el apoyo hacia Franco y el apoyo a muchos nacionalistas.

Guernica, también siendo un cuadro para expresar el gran descontento de la guerra, expresa una gran reflexión propia de cada uno sobre la destrucción y el dolor de cualquier conflicto, tanto civil como mundial, haciendo que la obra llegue a ser universal.

Su interpretación en profundidad es objeto de controversia, figuras simbólicas y que provocan opiniones dispares. Es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX.

He escogido hablar de este cuadro porque es muy conocido mundialmente e importante en la edad contemporánea y simboliza el terror y el sufrimiento de la guerra en muchos seres humanos.

La pintura que expresa Pablo con el movimiento artístico que el encabezó (Cubismo) es tendencia bastante diferente a lo habitual, no dispara la impresión de algo hermoso tanto con la forma como con los colores utilizados usando figuras geométricas, líneas y superficies. Suelen representar todas las perspectivas de un mismo plano.

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Retrato de una niña a la moda del siglo XVII

En  este cuadro podemos observar un retrato de una niña pequeña, tal como nos dice el titulo del retrato. Este cuadro se centra principalmente en la moda del siglo XVII.

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Fue pintado por un pintor español llamado Leonardo Alenza y Nieto, entre los años 1835-1845, durante la mayor plenitud de un movimiento sentimental y cultural conocido como el romanticismo.

Algo que nos sorprendió de este retrato es que, a pesar de ser el retrato de una niña y de que el tema principal es la moda, observamos que en el cuadro predominan los colores opacos. Este detalle nos llamó mucho la atención porque  al pensar en moda pensamos en colores más alegres. Al investigar este pequeño detalle nos dimos cuenta de que Leonardo Alenza y Nieto es uno de los pintores más influenciados por Goya. Es por esta razón por la cual utiliza colores opacos en sus cuadros.

Al buscar este cuadro nos sorprendimos porque encontramos dos cuadros prácticamente iguales. Al analizar esto descubrimos que Leonardo Alenza y Nieto se inspiró en un cuadro del siglo XVII para realizar este retrato.

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Al poner los dos cuadros juntos podemos observar que hay mucha similitud entre los dos como, por ejemplo, las dos niñas sostienen en sus manos un ramillete de flores o tienen el mismo peinado.

Sin duda podemos afirmar que Leonardo Alenza y Nieto se inspiró en el cuadro de José Antolínez para realizar su cuadro. Teniendo en cuenta esto, analizamos los dos cuadros y nos fijamos en que hay una diferencia bastante significativa, principalmente porque Alenza y Nieto hace el retrato del cuerpo entero de la niña y Anolínez hace el retrato de medio cuerpo.

En relación  al estilo y técnica de la pintura podemos observar que utiliza un estilo libre y vivaz, el cual podemos contribuir a la influencia de Velázquez. Con este dato podemos afirmar que Alenza y Nieto tenía un interés particular por Velázquez y por la pintura antigua.

Podemos observar que la vestimenta de este cuadro se caracteriza por ser un vestido recatado y de gran volumen por la parte inferior, el cual es característico de la época. A parte de los colores apagados característicos de este autor, podemos observar que resalta el color rojo, el cual simboliza el poder. Además, la iluminación de este cuadro proporciona una piel más blanca a la niña, con lo cual se puede llegar al inciso de que pertenecía a la realeza, ya que se caracterizaban por su piel blanca. Por otra parte, nos hemos fijado en la obertura que tiene el vestido por la zona del cuello, la cual es un poco inusual.

Investigando más sobre este cuadro, descubrimos una importante característica y es que existe otro cuadro que va conjunto con este. El otro cuadro se llama Retrato de un niño a la moda del siglo XVII  y fue pintando durante los mismos años que el retrato que escogimos. Al saber que el pintor había hecho un juego de cuadros que se complementan entre sí, pensamos que el pintor era muy ingenioso.

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Pensamos que la cualidad de ser ingenioso y tener influencia de Goya y Velázquez eran factores que debían hacer al pintor muy famoso, pero luego descubrimos que no era realmente así, sino que  Alenza y Nieto  fue apodado el pintor maldito.  Alenza y Nieto no tuvo mucha fama cuando estaba vivo y apenas podía sobrevivir con sus cuadros pero, cuando falleció, sus cuadros ganaron mucha fama. Es por esta razón por la cual es conocido como el pintor maldito.