EDUARD MUNCH (1863; Ådalsbruk in Løten, Noruega-1944; Oslo, Noruega)
- Inclòs dins el moviment simbolista i expressionista. A l’escola o grup de Secessió de Berlín. En realitat, Munch té un estil propi difícil de classificar. Precursor de l’expressionisme alemany.
- Influït pels neoimpressionistes Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Georges Pierre Seurat, Caspar David Friedrich i per pintors de l’abstracte Egon Schiele, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Paul Klee, Henri Matisse,Expresionismo, Surrealismo
- Mestre: Léon Bonnat. Estudia a l’Acadèmia de Bellas Arts de Munic. Franz Marc fou amic i company seu.
- Com que fou un pintor molt prolífic, hem fet una petita selecció de les seves obres, només per fer-ne cinc cèntims.
- En aquestes entrades del bloc dedicades a la literatura i a l’art, la nostra intenció és sempre la de convidar al coneixement dels artistes i les seves obres, els moviments i les tendències artístiques i literàries.
Autoretrats: Es va pintar molts cops a si mateix, fou un tema recurrent.
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| Autoretrat de 1881 |
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| Autoretrat de 1888 |
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| Autoretrat amb cigarreta del 1895 |
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| Autoretrat, Noctàmbul de 1924 |
Però sens dubte l’obra més coneguda és El crit, víctima d’un robatori al Museu d’Oslo.
EL CRIT 1893
En el centre i en un primer pla, apareix el protagonista amb les mans a la cara i cridant per expressar la seva angoixa. La figura de dues persones alienes a l’escena es troben en un segon pla.
El pont marca una línia diagonal que el separa del mar, un mar angoixant, al fons del qual es reconeixen un fiord i dues siluetes de vaixells. El fet que el punt de fuga estigui tant ressaltat pel pont i les dues figures negres aporta sensació de vertigen al llenç. Oposició de línies també l’accentua: el pont, els homes i la barana són rectes i hi aporten estabilitat en contraposició a les línies ondulades i cobres del personatge principal, l’aigua i el cel.
L’angoixa s’exterioritza a través de les corbes sinuoses. La buidor de l’espai, així com l’aïllament del personatge són marcats per les línies rectes. El color té un clar predomini sobre el dibuix. El color, la pinzellada, crea el ritme. El cel crepuscular és vermell i taronja i l’aigua blava i negre. Aquesta elecció és causal ja que aquests són colors complementaris, i escollits de manera arbitraria, fet que demostra que l’autor no busca la mimesi de la realitat.
Munch presenta un estil personal i eclèctic amb trets tant simbolistes com impressionistes, amb influències de Van Gogh, Gauguin, i Toulouse-Lautrec. De la mateixa manera, Edvard Munch exercí una gran influència en l’art germànic del principi del segle XX, concretament al grup Die Brücke, i esdevindrà un referent per les avantguardes.
L’estil de Munch es base en ús simbòlic del color, que permet focalitzar l’atenció del dibuix, que sovint és esquemàtic. El desenvolupament alemany de finals del segle XIX es traduí en angoixa, tensió i deshumanització.
El crit és un reflex del món de l’artista. La seva trajectòria vital va estar marcada pel patiment i la mort:
TEMÀTICA: VIDA I MORT, MALALTIA, MALENCONIA, POR, ANGOIXA, DONA, AMOR, NUS, VITALISME.
MALENCONIA 1902
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De la infància a l’art: del turment a l’alliberament
““Tengo una vieja cámara con la que me he retratado a mí mismo innumerables veces”, escribía Edvard Munch (1863-1944). “Algún día cuando sea mayor y no tenga otra cosa mejor que hacer que escribir mi autobiografía, todos mis autorretratos saldrán a la luz de nuevo”. Transcurría entonces 1930 y el artista noruego continuaba su lucha por exorcizar los demonios internos; aquellos que desde su triste infancia marcaron su existencia, y a los que dio rienda suelta en su obra haciendo de él uno de los pintores más influyentes de su generación. No es de extrañar que alguien tan desdichado como obsesionado con su tormento hiciese del autorretrato no solo un recurso formal de su obra pictórica sino también un método de autoexploración de la psique.
Con solo cinco años perdió a su madre, aquejada de tuberculosis, quedando al cargo de su padre, un fanático religioso. Nueve años más tarde murió su hermana mayor, también enferma de los pulmones. Siendo un joven adulto y convertido en un alcohólico, tuvo una grave crisis nerviosa que requirió su ingreso en un sanatorio. “La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles negros que guardaron mi cuna y me acompañaron durante toda mi vida”, escribía el pintor, quien intentó curar su neurosis a través de su arte. Pero el exceso de pasión y de angustia que desprendía su obra resultaba tan amenazador que en un principio fue recibido como un insulto al arte. “Parte del impacto de Munch, una gran parte, viene de su absoluta falta de decoro”, escribía el crítico Robert Hughes. Su necesidad de exteriorizar el torbellino de emociones que le oprimían tuvo como resultado “El grito”, hoy un símbolo de la parte más sombría de la condición humana, cuya venta alcanzaría los noventa y siete millones de dólares.”
“Fill d’un metge militar, el doctor Christian Munch i la seva dona Laura Cathrine, Munch va tenir una infància molt difícil, ja que la seva mare i la seva germana es van morir de tuberculosi quan ell era molt jove, i el seu pare era home dominat per obsessions de tipus religiós fins que va morir el 1889. De tot això, va sorgir una personalitat conflictiva i una mica desequilibrada, que ell mateix considerava la base del seu geni.
L’any 1879 comença la carrera d’enginyeria, però uns anys més tard va abandonar-la per començar una carrera artística que li va obrir el camí al desenvolupament de l’expressionisme. El 1881, va vendre els seus dos primers quadres i pinta el seu primer autoretrat.
Christian Krohg, una figura important en la redacció de la constitució noruega de 1814, va ser un mestre essencial per a Munch. Sovint corregia els seus treballs i l’ajudava a millorar. Va participar per primera vegada en l’exposició de tardor d’Oslo, on va establir relacions amb el cercle de literats i artistes de Cristiania (antiga Oslo).
El 1885, va dur a terme el primer dels seus nombrosos viatges a París, on va conèixer els moviments pictòrics més avançats i es va sentir especialment atret per l’art de Gauguin. Visita allà els salons i el Museu del Louvre, que el va impressionar notablement. Aquest mateix any va participar en la Fira Mundial d’Anvers. Després d’una primera influència de la pintura impressionista i postimpressionista, comença a pintar tres de les seves obres cabdals: L’endemà, Pubertat i La nena malalta, que causa un escàndol en l’Exposició de Tardor d’Oslo el 1886.
“Fue en Alemania, donde vivió de 1892 a 1908, que Munch desarrolló una carrera internacional. Nacido en 1863, asistió a la escuela de arte en Oslo, donde solía juntarse con escritores bohemios y radicales políticos, yendo de visita a París de cuando en cuando para ponerse al día con las últimas tendencias. En 1886 obtuvo su primer éxito derivado del escándalo, cuando el canon artístico de Oslo repudió su pintura “La niña enferma”. El tema —inspirado por la memoria de su hermana mayor, Sophie, quien murió a los 15 años— no era el problema, sino su estilo impresionista, considerado una afrenta al gusto local por el naturalismo académico.”
La seva primera exposició individual amb 110 quadres a Oslo, va fer que una part del públic l’aclamés amb entusiasme. L’any 1890, la influència del neoimpressionisme en les seves obres va ser molt notòria.”(…)
Anochecer en la Calle Karl Johan
“En 1889 Munch se fue de Kristiania. Pasarían 20 años hasta que tuviera residencia fija en la ciudad. Durante este periodo, pasó mucho tiempo en Paris y Berlín. Volvió varias veces a Oslo en el periodo comprendido en la década de 1890. Cabe destacar la polémica exposición en la galería de arte Blomqvist en 1895.
A medida que avanza el siglo XX, Munch desarrolla una relación un tanto tensa con la capital, y cuando visitaba Noruega residía normalmente más al sur de Oslo, junto al fiordo de Oslo. Sin embargo, en 1916, volvió a la zona de Kristiania, donde adquirió la propiedad Ekely en Skøyen. Aquí creó su hogar y su taller. Aunque era muy productivo como artista, quiso tener poco que ver con Oslo y sus gentes. Ekely fue el hogar de Munch hasta su muerte en 1944.”
“En 1892, una facción del arte conservador le clausuró una exhibición en Berlín, dándole una publicidad invaluable. Para sacarle el mayor provecho posible al “escándalo de Munch”, como lo llamaba, se fue a vivir a la capital alemana donde permaneció unos 16 años. Parte de su iconografía más conocida surgió durante esta época: “Madonna”, “Pubertad” y “El grito”.
Madonna: representació de Maria o femme fatale? Interpretacions diferents
“L’historiador de l’art Werner Hofmann suggereix que la pintura és una “imatge de devoció estranya glorificant l’amor decadent. El culte a la dona forta que redueix a l’home en la subjecció que dóna a la figura de la dona proporcions monumentals, i que també fa un dimoni d’ella.”[3]
Sigrun Rafter, historiador de l’art a la Galeria Nacional d’Oslo suggereix que la intenció és de representar la dona a l’acte de la vida de les relacions sexuals, amb la unió de santedat i sensualitat capturat per Munch. L’halo daurat habitual de Maria ha estat substituït per un halo vermell que simbolitza la dualitat de l’amor i el dolor. El punt de vista de l’espectador és la de l’home que està fent l’amor amb ella. També en aquest posat inusual, ella encarna alguns dels elements clau de les representacions canòniques de la Verge: té una tranquil·litat i una calma amb confiança de si mateixa, a ulls clucs, expressa la modèstia. Aquests elements suggereixen aspectes de les representacions convencionals de l’Anunciació. Robert Melville afirma que la imatge representa “l’èxtasi i el dolor a l’acte d’amor”. En comentar sobre la versió litogràfica, diu que “la vora decorativa consta d’espermatozoides de cua llarga amb filaments que serpentegen pels tres costats de la imatge i acaben en una cantonada com un penjoll de fetus o alguna cosa similar.”[4]
La crítica feminista Carol Duncan s’inclina per interpretar la figura com una Femme fatale:
| « | Madonna de Munch (1893-1894), és una vampiressa per excel·lència, insinua visualment l’imaginari de la victimizatció. Els gests familiars de l’entrega (el braç darrere el cap) i la captivitat (el braç darrere l’esquena, com si estigués obligat). Aquests gests tenen una llarga història en l’art occidental… Munch els va utilitzar en la seva Madonna per mitigar la seva afirmació del poder femení; el gest de derrota comprova subtilment la força fosca, que preval sobre la «Dona». La mateixa ambivalència també es pot veure en la relació espacial entre la figura i l’espectador: la dona pot llegir-se com l’augment del peu davant seu o com si es trobés sota seu. | » |
| — Carol Duncan, 1991[5] | ||
Peter Day identifica una “dicotomia” entre la inquietant imatge d’una mare monstruosa i de la subjectivitat femenina i l’autosuficiència.Plantilla:Day
Pubertat
Un altre tema recurrent en l’obra de Munc és l’amor:
Cupido i Psique. 1907
El petó
“Es parte de su serie El friso de la vida, la cual representa las etapas de la relación entre hombres y mujeres. El Besoes la materialización de un motivo con el cual Munch había experimentado desde 1888/1889: la pintura muestra a una pareja besándose, sus caras fusionándose en una sola en una simbólica representación de su unidad. Esta obra fue exhibida desde 1903 y actualmente se encuentra en el Museo Munch, en Oslo.”
El vampir
“Creada entre 1893–1895, esta pintura al aceite de Munch se titula en realidad “Amor y dolor” pero es popularmente conocida por este título: El Vampiro. Con un fondo oscuro en penumbra, la pintura representa a una bella dama de cabellos rojizos y tez blanquecina que abraza con mimo a un hombre vestido que cae en su regazo. Algunos han visto en la obra un homenaje a las prostitutas que circulaban en la vida del artista y otros creen que se trata de una metáfora sobre la temprana muerte de la hermana del pintor, Johanne Sophie, que falleció a los 15 años.”
La dansa de la vida
“Munch presenta una escena estival que recorre las tres etapas biológicas a través de un baile de parejas. En la parte izquierda del cuadro, donde se encuentra la mujer virgen, la primera etapa, hay flores y colores blancos, en alusión a la pureza y la juventud. Esa belleza y esa pureza, se van perdiendo en la madurez (figura central en color rojo). Por último, los rostros cadavéricos y los colores oscuros presiden la última etapa antes de la muerte.”
” Se dan cita en la pintura de Munch, por tanto, desde el romanticismo místico de Friedrich, hasta una línea expresionista con no menos fuerza que la de un Kirchner o un Nolde, pasando por el paisajismo y las escenas rurales y cotidianas de la pintura tradicional nórdica, constituyendo un nuevo cóctel pictórico que acaba con el siglo XIX y comienza con el XX. (…)
El sol, de 1916:
Elements simbòlics en la natura:
“El sol juega un papel particularmente importante, y es que el atardecer es el ambiente que marca la escena en muchas de las obras. Ya Strindberg hablaba del mar como ‘devorador de soles’. El propio autor teatral realizó una serie de poemas en prosa sobre Munch para la Revue Blanche, donde podemos leer:
Crepúsculo: el sol se pone, el manto de la noche
desciende, el crepúsculo transforma a los mortales en
espectros y cadáveres en el preciso instante en que
regresan a casa para envolverse en las mortajas de sus
camas y abandonarse al sueño. El sueño, esa apariencia
de la muerte que regenera la vida, esa capacidad para
sufrir creada en el cielo y en el infierno [Nota 4].
Por tanto, el atardecer es el momento que separa la Noche del Día, que simbólicamente asociamos con la Vida y la Muerte. La concepción del sueño que Strindberg extrae de los cuadros de Munch podría estar presente en la memoria de Picasso alrededor de 1925, cuando éste comienza a mantener contactos con los surrealistas.
Es por tanto el atardecer un momento simbólico en el cual los seres humanos cambian de aspecto, convirtiéndose en seres fantasmagóricos que sobrecogen al espectador por su falta de vida. La muerte se va abriendo hueco entre ellos, la Muerte es uno de ellos, y está presenta en cualquiera de los paseantes de la avenida Karl Johan, o en los personajes que pueblan la composición del cuadro Angustia.
“Además, el atardecer tiene connotaciones psicológicas, y Munch representa en sus atardeceres ‘retratos’ donde las mejores pinceladas expresivas las consigue en el paisaje. Así, por ejemplo, los rasgos psíquicos de la hermana del artista en Noche de verano (Inger en la playa, 1889) se pueden apreciar mejor en los elementos que rodean a la figura, que en sus gestos o expresiones físicas. Más de lo mismo sucede con Atardecer. Laura, la hermana del artista, de 1888, que podemos contemplar en el Museo Thyssen.
Ambos están protagonizados por sus hermanas. En el primero de ellos, Inger aparece sentada sobre unas rocas junto al mar, en actitud pensativa, vestida de blanco y con un sombrero en la mano.”(…)
La natura en l’obra de Munch: https://www.homines.com/arte/edvard_munch/index.htm
Nit estelada de 1922.
En la seva obra també són freqüents els nus, com a Schiele:
“El cos humà va ser utilitzat per Munch, de la mateixa manera que altres recursos com el paisatge, com a un mitjà per a representar passions i sentiments, “para formular esas emociones tanto con expresiones de ansiedad y dolor como en trances introspectivos”. (p. 52).
Tanmateix, Munch també va realitzar alguns nus aïllats en els quals semblava voler mostrar el cos per allò que era en si mateix. Per exemple, Nu femení:
Tècnica: ús de veladures
Per a més informació, podeu fullejar el catàleg de l’exposició Arquetipos sobre l’obra de Munch en el Thyssen Bornemisza:
http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=148499362&pagina=-26638
hi trobareu més obres i bibliografia.
Més bibliografia:
Heard Hamilton, G. Pintura y escultura en Europa 1880-1940. Madrid: Ediciones Cátedra, 1980.
Bischoff, Ulrich. Munch 1863-1944, Cuadros sobre la vida y la muerte. Madrid: Benedikt Taschen Verlag, 2000.
De Micheli, M. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid: Alianza Editorial, 1996.
Loshack, David. Munch. Madrid: Editorial LIBSA, 1991.
Messer, Thomas. Eduard Munch. Madrid: Julio Ollero, 1991.