Andy Wharhol

Imatge de previsualització de YouTube
L’art pop va ser un moviment artístic, sorgit al final dels anys cinquanta a Anglaterra i caracteritzat per l’ocupació d’imatges i temes presos del món de la comunicació de masses i aplicats a l’art de la pintura. El terme va ser utilitzat per primera veure pel crític britànic Lawrence Alloway en 1962 per definir l’art que alguns joves estaven fent, utilitzant imatges populars dins de l’art. Pot afirmar-se que el pop és el resultat d’un estil de vida, la manifestació plàstica d’una cultura (pop), caracteritzat per la tecnologia, la democràcia, la moda i el consum, on els objectes deixen de ser únics per produir-se en sèrie. En aquest tipus de cultura també l’art deixa de ser únic i es converteix en un objecte més de consum “La raó per la qual pinto d’aquesta manera és perquè vull ser una màquina” (Andy Warhol) o l’afirmació de Richard Hamilton pel que fa al seu desig que l’art fos efímer, popular, barat, produït en sèrie, jove, enginyós, (qualitats equivalents a les de la societat de consum).

Richard Hamilton és considerat l’artista que va crear la primera obra de l’Art Pop: el collage titulat Què és el que fa que les llars d’avui siguin tan diferents, tan cridaners?, que va ser exposat en l’exposició titulada Això és el matí en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956. En 1961 es presentava l’Art Pop britànic al públic en una exposició que reunia obres de David Hochney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj i Peter Phillips.

Els orígens del Pop es troben en el dadaisme i en el seu menyspreu per l’objecte, no obstant això el pop descarrega de l’obra tota la filosofia anti-art de Dadá i troba una via per construir a partir d’imatges preses de la vida quotidiana igual que Duchamp havia fet amb les seves ready- mades. Quant a les tècniques també pren del dadaisme l’ús del collage i del fotomontaje.

A Anglaterra comença a gestar-se en les discussions que mantenien en l’Institut d’Art Contemporani de Londres (ICA) Richard Hamilton, Paolozzi i els crítics Lawrence Alloway i Reyner Banham, des de 1952. Aquestes discussions se centraven entorn de l’impacte que la moderna tecnologia i els mitjans de comunicació de masses estaven tenint en la societat. Entre altres coses, en aquestes discussions, es va desmuntar la piràmide de categoritzacions en la qual les Belles arts eren el cim equiparant-les al cinema, a les arts populars i les arts gràfiques.

L’art d’Hamilton pren les seves fonts de les indústries del consum i de l’oci, de la publicitat i també de la història de l’art. Pot dir-se que el Pop de Kitaj i Hamilton és un pop culte i altament intelectualizado, gairebé hermètic en un sentit que no és el del pop habitual. L’altre gran artista Pop de l’escena anglesa és David Hockney, per qui l’herència del moviment modern és fonamental i combina fotografies, quadres abstractes i diversos tipus de material gràfic en els seus quadres. Juntament amb Allen Jones forma la segona generació del Pop britànic.

A Amèrica el Pop entra en escena en 1961 i arrela amb més força que en cap altre lloc, malgrat les reticències d’alguns crítics (Harold Rosenberg) al principi, donada la força que l’expressionisme abstracte tenia en totes les instàncies de la indústria de l’art. No obstant això, la imatgeria pop era fàcilment assimilable com alguna cosa purament americà i això era important en aquell continent doncs sempre, tant artistes com a col·leccionistes, estaven d’una certa manera en lluita o competició amb l’europeu. La confirmació d’això es va produir amb l’exposició titulada El Pop Art i la tradició americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Aquest aspecte nacionalista era l’única cosa que ho acostava a la generació dels expressionistes abstractes; en la resta tot és oposat: els artistes pop ironitzaven sobre la cal·ligrafia i el gest característics dels expressionistes (les obres de Lichtenstein en les quals amplifica una pinzellada esquematitzada gràficament), o els enormes quadres de Rosenquist en els quals amplifica espaguetis com recordant les nervaciones dels drippings de Pollock, i en general l’interès posat a rebutjar de l’obra tota traça de la intervenció manual de l’artista.

Els precursors del Pop americà són Jasper Johns i Robert Rauschenberg i el grup ho formen Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Weselman i Claes Oldenburg. En la perifèria del pop americà s’enquadren Alex Katz, John Chamberlain i Larry Rivers. Malgrat aquesta categorització tots són diferents entre si. Warhol pretenia eliminar de l’obra d’art qualsevol traça o signe de manualitat; moltes de les seves obres estan fetes a partir de fotografies projectades sobre el llenç. Lichtenstein pren els seus motius de les tires de còmics i els amplia a enormes dimensions deixant visibles els punts que resulten del procés d’impressió. Dine combina objectes reals amb fons pintats. Oldenburg fabrica objectes de la vida quotidiana (hamburgueses, navalles, etc.) a grandàries descomunals que instal·la en ocasions en espais a l’aire lliure. Indiana pinta rètols gegantescs que ens reclamen l’atenció i ens amonesten.

A Espanya, el Pop s’estudia associat a la nova figuració sorgida arran de la crisi de l’informalisme. Eduardo Rierol podria enquadrar-se en aquesta tendència pel seu interès en l’entorn i la seva crítica del nostre mitjà cultural, utilitzant icones dels mitjans de comunicació de masses i de la història de la pintura, i pel seu menyspreu manifest per qualsevol estil establert. El que es pot considerar com més autènticament Pop és Alfredo Alcaín, per l’ús que fa de les imatges populars i pel buit que confereix a les seves composicions.

També l’Equip Crònica format a València per Manolo Valdés i Rafael Solbes, per la seva utilització de còmics i d’imatges publicitàries, per la simplificació de les imatges i les composicions fotogràfica tendència Pop.

El Crit

“Estava allà, tremolant de por. I vaig sentir un crit fort i infinit perforant la natura “.

Aquesta obra elaborada per Edvard Munch va ser completada en 1893 i des del moment de la seva creació, va obtenir moltes crítiques . En una època en la qual s’admirava el naturalisme, El crit va ser una compilació de quatre versions d’aquest expressiu quadre tan representatiu del moment històric que s’estava vivint.

Hi ha moltes versions que intenten explicar el que el androgin del quadre està expressant, i es basen en la vida de l’autor, per justificar-ho. Però em sembla que el valor de l’obra està en el fet que aquesta emoció es justifica per si sola per prevaler en la història com una de les obres més importants de la història de l’art.

Una de les versions de possible inspiració per a El crit és la turmentada vida d’Edvard, doncs es diu que sent encara un nen, va patir la severitat del seu pare i la mort de la seva mare i germana.

El crit s’acomoda de manera intemporal en la classificació de l’expressionisme, que sol entendre com “la deformació de la realitat per a expressar de forma més subjectiva la natura i l’ésser humà, donant prioritat a l’expressió dels sentiments més que a la descripció objectiva de la realitat “.

El crit va ser una de les obres més importants de l’artista delineant les característiques del moviment expressionista i convertint-se en una imatge d’icona cultural.

Però no va ser tan senzill el procés, el règim nazi va prohibir l’art de Munch perquè el consideraven degenerat donada la seva foscor i manera subjectiva i emocional per entendre el món. Va ser fins després de la Segona Guerra Mundial que l’obra va adquirir l’estatus de icona. El 1961 la revista Time va utilitzar la imatge per a la portada de la seva edició dedicada als complexos de culpa i ansietat. I això va ser un dels successos que va començar a establir a El crit amb la importància artística que es mereixia.

Edvard s’explicava; “La malaltia, la bogeria i la mort van ser els àngels que van envoltar el meu bressol i em van seguir durant tota la meva vida”.

L’obra es caracteritza per representar amb els seus colors i les seves formes la mateixa angoixa que es vol representar a la figura. Les formes es retorcen i els colors són completament arbitraris, ja que intenten expressar el sentiment de l’autor i no una veritat racional.

Trobat a “Un día más culto”

Annette Messager

Annette Messager (Berck-sur-Mer, Paso de Calais, 30 de noviembre de 1943) es una artista contemporánea francesa.
Es conocida principalmente por su trabajo de instalación, en el que a menudo incluye fotografías, grabados y dibujos, y materiales diversos.1 En su arte representa una mezcla de la realidad cotidiana y la fantasía, y desde sus inicios en la década de 1970 está vinculada con el arte feminista. Messager ha expuesto y publicado su trabajo ampliamente.
Es la compañera del artista francés Christian Boltanski.
Trobat a la Wiquipèdia

Ens ha cridat l’atenció la seva obra dedicada a les mans, projecte que estem poratnt a terme amb els nens i nenes de cinquè.

Els autoretrats de van Gogh


Vincent van Gogh va ser un personatge misteriós i hàbil, un dels majors exponents del postimpressionisme, una tècnica que es distingeix per l’ús de colors vius, pinzellades distingibles i temes de la vida real. Per causar més emoció el postimpressionisme tom els colors dels impressionistes presentant una visió subjectiva del món.

La vida de Vincent van Gogh no va ser gens fàcil, després d’un gran desamor va decidir viure amb una prostituta i la seva filla a les quals utilitzava per retratar. En moments posteriors d’auto diagnosticar bogeria i es va inscriure en sanatoris mentals voluntàriament. Va tenir molts problemes econòmics pel que sempre buscava vendre els seus quadres. Moltes vegades pintava per vendre. No tenia diners per pagar-li a models, així que va pintar 27 autoretrats entre els anys 1886 i 1889. La seva col·lecció d’autoretrats el posa entre els pintors d’autoretrats més prolífics de tots els temps.

Es diu que van Gogh feia servir l’autoretrat com un mètode d’introspecció i pràctica per pintar.

Coneixem alguns aspectes d’aquest personatge tan enigmàtic per mitjà de les múltiples cartes que va escriure al seu germà Theo i al seu gran amic i pintor Paul Gauguin.

“Vaig portar deliberadament un mirall prou bo per permetre treballar amb la meva imatge per defecte d’un model, perquè si puc pintar el color de la meva pròpia cap, que no és completat sense dificultat, podria pintar els caps d’altres ànimes bones, homes i dones. ”

Els autoretrats de van Gogh van arribar a ser més importants del que semblaven ser, una simple pràctica de la seva tècnica. Els seus traços definits amb moviment i estil van fer que aquests formessin part important del talent que reconeixem avui.

Imatge de previsualització de YouTube
Però l’art no deixa de sorprendre’ns, en l’actualitat hi ha un artista que va decidir prendre els retrats de van Gogh per proposar com es veuria en realitat. El fotògraf lituà, Tadao Cern va convertir el quadre de oli de 1889 a un retrat digital.
Basat en una curiositat de veure com seria van Gogh sense els trets impressionistes, Cern va ser despullant la imatge fins arribar a aquesta aproximació.

Trobat a Un día más culto

10 dades que potser no coneguis de Van Gogh


Un 30 de març però de 1853, a Holanda, va néixer Vincent Van Gogh; l’artista trastornat per excel·lència. Encara que avui dia és considerat com un dels pintors més famosos, en vida només va arribar a vendre una de les seves obres.

Va morir sentint-se com un fracassat. Una mort que fa joc a la seva vida trastornada, plena de malalties i desgràcia. Encara que els seus contemporanis no van arribar a apreciar la seva genialitat, avui volem retre homenatge a aquest gran artista amb 10 dades que probablement no coneixies.

Van Gogh va pintar el seu primer obra, “Els menjadors de patates”, als 27 anys
Es diu així pel seu avi i el seu germà, aquest últim va morir un any abans que el naixés
Era un addicte a la pintura, en 10 anys va pintar gairebé 900 quadres (de mitjana dos per setmana)
Durant un atac de bogeria, Van Gogh va atacar al seu amic pintor Paul Gauguin amb una navalla, el resultat va ser desfavorable per a Vincent ja que es tallés un tros d’orella
Dies després li va oferir el lòbul que s’havia tallat a una prostituta
La seva obra mestra “La nit estrellada” va ser creada durant la seva estada al sanatori Sant-Rémy-de-Provence, França
Va arribar al sanatori sota la seva petició, tenia por de perdre l’habilitat d’expressar-se mitjançant l’art
L’únic quadre que va vendre es titula “La vinya vermell”
Als 37 anys es va disparar al pit, va morir l’endemà passat
Les seves últimes paraules van ser “La tristesse durera toujours” que significa “La tristesa durarà per sempre”

Trobat a Un día más culto

5 LLIÇONS D’ART I VIDA DEL GENIAL KANDINSKY

Aquests bonics i lúcids consells per a la vida i la creació van ser extrets de la genialitat de l’artista rus.

L’artista no només d’entrenar els seus ulls, sinó també la seva ànima.

– Wassily Kandinsky

Composició Nº8′ (1923) – Kandinsky
Per a molts, el primer gran representant de l’art abstracte és Wassily Kandinsky. El rus, a més, va ser un important teòric de l’art i va estudiar minuciosament el color i la seva relació amb la psicologia, el que va fer que el seu llegat no es limités a l’àmbit artístic sinó que va abastar també aspectes essencials del que és humà.

A més de la seva carrera com a artista, Kandinsky va fer estudis sobre folklore popular rus, la simbologia del color, la geometria i la intrínseca relació que existeix entre l’artista i l’espiritualitat, la qual cosa ho va portar a parlar de la figura del creador com una mena de profeta. Una altra de les disciplines estudiades pel rus va ser la música (a la qual cridava “la més gran mestra”).

Influenciat per l’escatologia cristiana, per l’obra de Claude Monet, la música de Wagner i la teosofia, Kandinsky va ser un artista integral i un pensador que va crear conceptes completament nous en l’art. Així, els seus treballs teòrics il·luminen no només a aquells que dediquen la seva vida al treball creatiu sinó també a aquells que busquen senders apropiats per exercir la seva exploració vital. A continuació sis de les lliçons més valuoses, per a la vida i l’art, que ens va deixar …

 

Viu una vida plena de color
La ideologia que reflecteix l’obra de Kandinsky privilegia una vida plena de color, en contrast amb portar una existència en blanc i negre. Com un artista profundament espiritual, Kandinsky va parlar de les propietats terapèutiques del color i entenia dos nivells en el seu efecte sobre les persones: el primer implica el plaer estètic del simple acte d’observar un color (semblant a menjar alguna cosa deliciós) i el segon correspon a el que ell va anomenar la “ressonància interior”, l’impacte espiritual que el color pot tenir dins nostre i que toca l’ànima humana.

 

Aprèn a prendre pauses

 

Tot i haver estat un pintor excepcionalment prolífic i treballador, Kandinsky coneixia la importància de prendre descansos de la feina. L’acte d’allunyar d’un projecte permet veure-ho amb una perspectiva clara i concloure-amb millors resultats, una lliçó que fàcilment podria aplicar-se a qualsevol àmbit de la vida.

Permet que el teu estil evolucioni

La trajectòria de Kandinsky mai va deixar de transformar-se al llarg de la seva fructífera carrera, des dels seus començaments fent paisatges i quadres evidentment fauvistes i puntillistes fins a obres posteriors representants del més sofisticat art abstracte. L’artista coneixia els beneficis de moure d’un estil estètic a un altre i va concedir una gran importància a la flexibilitat mental, una cosa que bé podria servir-nos per a la vida en general.

Confia en el poder del contrast

El pintor rus sempre va ser conscient del poder que existeix en el contrast del color i la forma, concedint qualitats a cada un dels extrems i usant-los per crear un balanç mutu. La seva poderosa obra sempre es va basar en la força implícita del balanç dels extrems, una altra lliçó d’harmonia per a diversos aspectes de l’existència.

Reconeix la importància de l’ésser interior

Si totes les sàvies lliçons de Wassily Kandinsky poguessin ser agrupat en un, aquesta podria resumir-se en la “necessitat interior”, que s’explica com el balanç entre l’aparença i el contingut. Les seves pintures són obres extremadament acolorides que, però, no solament responen a la pura experiència estètica sinó també a la consciència plena del món interior de l’artista, que resulta en un compromís amb les emocions més profundes i subjectives: les formes i els colors sempre van expressar el seu món emocional. Kandinsky va crear tot un llenguatge basat en el simbolisme de cada forma i cada color. Un sa balanç entre l’exterior i l’interior, la forma i el contingut, resulta profundament necessari en la vida diària.

Ciutat Antiga II ‘(1902) – Kandinsky

Murnau’ (1909) – Kandinsky

Cercles dins de cercle’ (1911) – Kandinsky

‘En Blanc’ (1923) – Kandinsky

Trobat a Cultura Inquieta